El agua inmóvil

Las malas intenciones, cinco años después.

2011-08-12T11:49:00.000-07:00

Voy a aprovechar que ya se ha proyectado Las Malas Intenciones en el Festival de Lima (y asumo que pronto vendrá el estreno en todo el país) para compartir un material que pude grabar en la Berlinale de este año, durante el estreno de la película allá en Alemania. Esto lo grabé para un especial que me tocó hacer para Promperú. Espero que nadie de esa institución se queje por subir estas imágenes ahora (estamos en épocas de la gran transformación, además).

Y comparto la entrevista también porque hay un tema que me inquieta personalmente: Rosario García-Montero, la directora, cuenta que Las malas intenciones fue un proyecto iniciado el 2006.

Es decir, cinco años después, finalmente se estrena.

¿Cuánta resistencia debe tener un cineasta para mantener un proyecto por cinco años? ¿Cuánto esfuerzo derrocha uno a lo largo de ese tiempo? El circuito oficial que ha recorrido Rosario (becas, fondos, coproducciones) es, como cuenta ella, de un aprendizaje único, incomparable. Pero al final, ¿cómo termina uno con tantas manos interviniendo en tu proyecto?

Lo importante es que Rosario sacó adelante un proyecto complejo, lo cual demuestra un carácter enérgico que pocos entenderían.

Pero, al oírla, creo que ha terminado satisfecha, pero también un poco agotada de todo este recorrido.

p.d. Aprovecho el vídeo para incluir imágenes de mi buen amigo Robinson Díaz, gran compañero de aventuras de mi juventud y cómplice en el viaje a Berlín. Feliz próximo cumpleaños, Robin.

Si apesta a industria, no.

2011-07-31T06:23:00.000-07:00

Nació el Festival de Cine Lima Independiente. ¡Felicidades!

Triple alegría la que me ha causado este festival: Primero, por su aparición misma. Un nuevo espacio para difundir el cine en nuestras ciudades siempre será una buena noticia. Más si es un festival de cine independiente, con una gran cantidad de obras cuyo circuito de exhibición es reducido. Una retrospectiva como la realizada a Raúl Perrone era un acto necesario desde hace tanto...

En segundo lugar, me alegra saber que detrás de esta iniciativa están Viviana Quea, Mario Castro y Alonso Izaguirre (entre otros más), personas que sienten una pasión inigualable por el cine. En varias ocasiones he sido testigo de la relación que cada uno tiene con las películas: amantes, exigentes, curiosos, radicales, entusiastas... Demás está decir que el espíritu de un festival radica en sus organizadores y, en este caso, ello garantiza muchos años por delante para este grato evento.

La tercera alegría ha sido poder estrenar oficialmente el cortometraje La Calma en Perú, y hacerlo en este festival. Espero que a partir de aquí el corto pueda exhibirse también en cine clubes de las distintas ciudades, y cerrar así este año de recorridos agradables y, también, inquietantes.

Quizás, justamente, a raíz de la irrupción del Festival Lima Independiente, han surgido distintos posts en los blogs peruanos sobre esa palabrita tan complicada: "independiente". Muchos se preguntan ¿qué significa ser "independiente", ¿quiénes entran en esa categoría?, ¿quiénes no?, y así.

No creo que haya respuestas precisas para estas interrogantes, pero como el asunto parece torturar a varios, quizás debamos hallar un concepto más sensato que "independiente es aquello que no se vende". No recuerdo haber leído escritos sobre el tema (excepto los posts que me han enviado sobre este intercambio de ideas, aquí, sigue aquí, continúa en los comments aquí y termina aquí), así que sólo hablaré de mi breve experiencia:

Bella paradoja: El término "independiente" no tiene sentido por sí mismo. Su existencia es dependiente de otros conceptos. Independiente... ¿con respecto a qué? La respuesta más compartida hablaría de un cine "al margen de la industria", un cine que se hace sin contar con los medios oficiales, digamos.

En ese caso, un adinerado empresario ruso que saca dinero del bolsillo de su camisa para hacer la película que siempre soñó hacer es, a todas luces, independiente. El dinero personal. La financiación privada. No deberle nada a nadie. En el caso peruano, creo que Daniel Rodríguez sería el cineasta más independiente en este aspecto: se financia, se produce y ha terminado exhibiendo la película que a él le entusiasmó hacer. A nivel internacional, se suele hablar de Lucas y de Spielberg...

Ah, Spielberg. En cuántas oportunidades he leído comentarios como "Spielberg podrá financiarse a sí mismo, ¡pero él hace películas sólo para agradar al público! No es independiente como, no sé, Jim Jarmusch." En fin. Bastaría con citar a Truffaut cuando asegura que Spielberg (a quien conoció de cerca) no hace las cosas pensando en la taquilla sino que tiene la maldita suerte de tener el mismo gusto que su público. Entonces alguien dirá "bueno, depende de qué película hablemos". Bajo esas triquiñuelas, entonces, ¿Jim Jarmusch independiente? ¿En serio? ¿Con 10 millones de dólares como presupuesto para Broken Flowers?

La confusión crece cuando esta condición de financiarse "independientemente" se mezcla con la capacidad expresiva de una película. Entonces, no basta con la independencia económica. No sólo hay que estar alejado de la industria, sino también de sus agotados temas, de sus previsibles guiones, de sus convencionales modos de filmar, de sus poco sugerentes bandas sonoras, de sus...

Es más, para que una película sea independiente de verdad ni siquiera hay que pensar en el público, ni si se presentará la obra en un festival ni nada de eso. Ni con las majors ni con ese mundo rotterdaniano. ¡Cineasta comerciante quien no actúa así!

Desde luego, leer a gente que pontifica de esta manera es agotador. Personalmente, ningún proyecto que he realizado nació con el interés de tener un público (de hecho, este cortometraje ha estado año y medio en el cajón, y seguiría ahí de no ser por cuestiones casi académicas). Sin embargo, no pensar en "el público" (?) no te hace más o menos independiente, así como no hace que la obra sea mejor o peor. Igualmente, no creo que una persona que disfruta escribiendo y dirigiendo una obra, pensando principalmente en las emociones de su posible público, no pueda ser independiente.

"Tú no eres independiente, tú te comportas así, tú has hecho esto, tú no has cumplido con esto". Esto que venden como un manifiesto radical suena más a catarsis de inseguridad adolescente.

Nostalgia de la luz (2010)

Además, si tu mente está pensando en los fondos públicos y en el mundillo de los festivales es que evidentemente no eres independiente.

Sólo el desconocimiento puede justificar afirmaciones como estas. ¿Qué hacer entonces con las películas que han recibido fondos no sólo de un país, sino de varios? ¿Cómo reaccionar ante proyectos que para poder realizarse debían asegurar las ventas a distintas televisoras? ¿Con qué ojos podría mirar esa película tan sugerente, si me entero que en su plan de producción se preveía ser presentada al prestigioso Festival X?

Con esos prejuicios acabamos de echar tierra sobre varias películas de Béla Tarr, de Kiarostami, de HHH y de innumerables cineastas que pueden hacer las películas que hacen gracias a dichos fondos. Quedémonos sólo con el Pedro Costa de Ne change rien, película filmada casi sin dinero durante varios años. Olvidémonos de esa absurda coproducción portugesa/francesa/suiza que fue Juventude em Marcha, película para nada independiente.

¿Y qué se habrán creído Apichatpong y Raya Martin al pedir fondos a ese circuito rotterdaniano para poder filmar Uncle Boonmee e Independencia respectivamente? ¿Imaginaban que no íbamos a descubrir el fraude de sus obras, a todas luces mercancías industrializadas? De verdad, ¿pretendían engañarnos?

Ni qué pensar de Patricio Guzmán, quien pudo realizar Nostalgia de la luz con dinero ¡de Televisión Española! ¡Y encima para proyectarse en Cannes! (y eso que el financiamiento se consiguió luego de ser rechazado de muchos lados, como podemos leer en este cruel testimonio).

Ese documentalista Guzmán es evidentemente un vendido al sistema.

Desde hace unos días he empezado a preparar el cortometraje de un amigo. Será mi primer cortometraje como productor (fuera de los míos). Es un corto, en apariencia, sencillo de hacer. Por cuestiones de fechas, lo grabaremos en mes y medio aproximadamente. Llegado el momento podríamos simplemente ir a los lugares pensados, con los actores pensados, y grabarlo de manera "independiente". No sería muy complicado: un equipo pequeño, luz natural, etc.

Pero en mi rol de productor trato de explicarle a mi amigo por qué es mejor no actuar así. Doy mis razones para usar tal cámara con tal equipo de lentes, para buscar tal equipamiento de luces, para conseguir más personas (no muchas tampoco). Mientras el corazón de su corto no se vea afectado, todo aporte que sume es bienvenido.

Esta no es una regla general, desde luego. En otros proyectos será necesario prescindir de equipos y de personas. Cada obra carga intrínsecamente con sus necesidades.

Sin embargo, de pronto parece que ser "amateur" te da un plus de calidad. Parece que por tener poco dinero para hacer tu obra, ésta se vuelve especial y casi intocable. Parece que salir a manipular la cámara con aires indies hace que debamos pasar por alto errores groseros técnicos.

Ayer vi por internet una de estas obras que mi amigo Mario Castro incluye en lo que él llama "nuevo cine peruano independiente". Puede que en ciertas escenas sí se sientan atmósferas potentes, pero las continuas torpezas me arruinaron el visionado. He visto errores que alumnos de instituto no cometerían. A veces no sabes si es adrede o si es torpeza. Luego de diez minutos sabes que es lo segundo.

Hay un espíritu poderoso entre los jóvenes realizadores peruanos. Quizás, en el fondo, sí haya algo parecido a una irrupción grupal en el mundo audiovisual. Pero muchos de nosotros aún tenemos que andar un largo camino para no quedarnos en ese regodeo de lo "independiente/amateur" (con sus discusiones caducas). No hay que tener miedo ni recelos a utilizar todo lo que está a nuestro alcance para descubrir mayores modos de expresividad en nuestros trabajos: equipamientos, fondos, festivales, todo... siempre que sea acorde con las necesidades de la película, que es el fin supremo.

Aún existe ese grupo de dinosaurios que sigue con su perorata de "el vídeo no es cine de verdad. Celuloide sí, vídeo no".

Ahora parece que el discurso de los "independientes" es "vídeo sí, celuloide o todo lo que apeste a industria no".

Señores dinosaurios, señores independientes: Supérenlo.

F.V.R.

La Calma. Apuntes antes del rodaje (2008).

2011-07-07T02:50:00.000-07:00

El cortometraje que tuve la suerte de dirigir, "La Calma", se encuentra participando en la Competencia de Documentales del Festival Int Karlovy Vary.

Es el sexto lugar donde proyectan este corto que tantas felices sorpresas me ha causado. Hoy es la primera proyección y además hay algunas entrevistas programadas.

Buscando en internet, no sé cómo llegué a unos apuntes que escribí el año 2008 cuando fui con mi equipo a grabar las primeras imágenes de "La Calma" (pues es un corto que empezó a grabarse el 2008 y que fue terminado en Agosto 2010, más de dos años después).

Copio estos apuntes pues, en su momento, me sirvieron para quitarme el nerviosismo de grabar un cortometraje. Tenía mucho miedo al reto y siempre andaba posponiendo la idea de "hacer algo", de "grabar un corto", y todos los planes quedaban en palabras vagas.

Me ha causado nostalgia leer todo aquello. No sé si ahora sea capaz de reflexionar de la misma manera.

p.d. mañana empiezo a escribir sobre el Festival.

* * *

Apuntes, entre el 11 de Julio y el 6 de Agosto del 2008

La poesía comienza cuando un necio dice del mar: "Parece aceite".

No se trata, en absoluto, de una más exacta descripción de la bonanza, sino del placer de haber descubierto la semejanza, del cosquilleo de una misteriosa relación, de la necesidad de gritar a los cuatro vientos que se ha notado.

Pero resulta igualmente necio detenerse aquí: Iniciada así la poesía, es preciso acabarla y componer un rico relato de relaciones que equivalga hábilmente a un juicio de valor.

(El oficio de vivir, Cesare Pavese)

En algún momento de nuestras vidas existen esos momentos de revelación en donde parece que uno ha realizado un “descubrimiento” novedoso sobre la naturaleza y este suceso inusitado se manifiesta, ya sea en un cosquilleo, o en esas ganas de gritar.

El cosquilleo de una misteriosa relación… esto es, precisamente, lo que he sentido meses atrás cuando surgió en alguna parte de mi cerebro la necesidad de hacer el cortometraje que ahora, después de mucho vacilar, voy a realizar...

“Quiero hacer un corto...”

Ahí está una de las frases que más he oído decir en los últimos años a amistades, compañeros, extraños y, obviamente, a mí mismo.

“Se me ocurrió un corto…”

Cada vez que alguien la decía, se podía sentir la efervescencia que el estimulante ser en cuestión transpiraba.

“¿Y si hacemos un corto?”

Lógico. Nos resulta apasionante sentir ese cosquilleo: es la impresión de tener una buena idea, una imagen rescatable, algo qué mostrar, algo qué contar… Es ahí cuando nace la poesía.

Pero Pavese tiene razón en algo más: No basta con un “descubrimiento” para pensar que el trabajo ya está hecho. La entusiasta idea inicial de un proyecto artístico no garantiza que algo bueno saldrá. Iniciada la poesía, es preciso acabarla.

Digamos que a usted se le ocurrió hacer un cortometraje.

Luego de pensarlo mucho, la idea no le parece del todo mala -incluso hasta puede que tenga algo rescatable, sino no se animaría a hacer el corto-; pero obviamente no basta con una aparente buena idea: hay que ir hasta el final, enriqueciéndola a cada momento.

Quedarse en la buena idea y exhibirla sin más, sería necio. ¿Cuántos proyectos se han quedado en meras ideas? Buenas o malas, sencillas o complejas, pero ideas al fin. ¿Cuántas buenas ideas perdidas? Imposible saber, aunque nadie duda que las haya.

¿Y qué es de aquellas ideas que nos parecen de golpe suficientemente hermosas y no buscamos ya enriquecerlas, pues a nuestros ojos resultan plenas en sí mismas? ¿Cuántas veces la promesa de algo valioso se quedó en eso, en mera promesa? ¿Cuántas veces lo que nos pareció fascinante inicialmente nos resultó vergonzoso con el tiempo?

Bienaventurados los que no esperan nada de sus ideas.

Qué triste e inacabable cuestión la “creación artística"…

En todo caso, si los plazos no se mueven, dentro de unos días grabaré un cortometraje. Aunque no es una súper producción, debo pensar en presupuesto, equipo técnico, plan de rodaje, locaciones. Debo pensar en las personas que estarán delante de las cámaras y en las que estarán detrás de ellas.

Estoy contra el tiempo; pero aún antes de sumergirme en esta vorágine que se viene en los próximos días, no dejo de pensar: ¿Valdrá la pena hacerlo? ¿Es necesario que este cortometraje exista? ¿Tendré algo nuevo que decir? ¿Qué pasará si resulta lamentable? ¿Adónde irán mis expectativas? ¿Adónde irán estas palabras?

De algo estoy seguro. Si no puedo contestar con firmeza a esas preguntas en las siguientes horas, todo saldrá mal.

Dedicarse al oficio cinematográfico es una fortuna que le llega a pocos. Como las semillas de la parábola, muchos serán los que querrán intentar hacer cine y nunca lo lograrán. Otros nacerán, intentarán seguir, pero serán absorbidos por las dificultades. Por ventura o insistencia, pocos alcanzarán terreno fértil.

Pero en todos estará presente la pregunta inicial: ¿Para qué quiero hacer una película? ¿Para quién?

¿Un cineasta debe aspirar a los cien mil espectadores? ¿O debe tratar de capturar el espíritu de su tiempo? ¿O debe desangrarse en sus problemas personales? ¿O ninguna de las anteriores?

Las razones para “hacer cine” son infinitas -y no creo que ninguna sea más noble que otra- pero un realizador debe tener su razón clara antes de lanzarse al ruedo.

Es por eso que le sigo dando vueltas a este inagotable asunto, aún cuando las horas apremian y noto con temor que, luego de haber ensayado y vislumbrado lo que será la grabación del corto esta semana, debo cambiar varias de las ideas que tenía en mente.

Contra mis deseos, muchas cosas han variado: locaciones, personajes, tiempos… y una nueva reescritura se impone, aunque sea apurada. El concepto mismo de la obra necesita un ajuste más. Aún dudo acerca de si el pequeño equipo que hemos armado funcionará bien. Y, para completar el cuadro, todo va a salir mucho más caro de lo que pensaba.

La buena noticia es la recuperación –en todo sentido- del protagonista. Conversando con él, me doy cuenta que hubiera sido imposible grabar este corto antes de estas fechas, así que tomo este nuevo encuentro como una buena señal. El corto exigirá mucho de su esfuerzo y felizmente su disposición es plena… Y aún con esas, todo puede salir mal.

Y si sale mal, servirá como experiencia y habrá que sacar conclusiones antes de enterrar el corto en el cajón. Sería deprimente que salga mal… aunque confieso que sería más deprimente que el corto salga bien –a nuestra percepción- pero no guste a nadie más.

Pero, claro, sería realmente terrible que el cortometraje salga mal -para nosotros- y aún así le guste a todo el mundo. Como sea, eso se sabrá en unos días.

Al igual que los equipos de fútbol antes de un partido decisivo, mañana en la noche todo el equipo técnico se concentrará en mi casa. Ahí empezará esta suerte de retiro espiritual donde cada uno deberá dejar atrás todo lo conocido, para enfocarse únicamente en la creación de algo decente. A la madrugada siguiente, será momento de salir y ya no habrá marcha atrás. Lo discutido, lo razonado, la lógica cerebral deberá quedar atrás. Luego, todo será estómago, oficio y también suerte. Un rezo se hace necesario...

Ha terminado el segundo día de grabación y todos andamos ligeramente exhaustos, agotamiento que aumenta ante la necesidad de tener que madrugar mañana y poder así cumplir –si se puede- lo planificado en el papel. Soy el primero en despertar y no puedo darme el lujo de desvelarme. Debo apurarme.

No puedo afirmar que se ha cumplido con el cronograma establecido. De hecho, lo hemos tenido que ir modificando en el camino. Para cuando nuestro equipo esté de regreso en sus hogares, seguramente faltará grabar algunas escena, así que mañana será un día de difíciles elecciones –elegir entre lo estrictamente necesario y lo que pueda ser un mero capricho por parte mía-.

Si pudiera, grabaría con comodidad y relajo durante una semana más, obvio, pero es una realidad que escapa completamente de mis manos.

Cada nueva escena, llega con una nueva incertidumbre:

Mis compañeros se instalan en la locación, alistan sus equipos e inmediatamente lanzan la temible pregunta:“ya, ¿cuál es tu primera toma?”.

Desde luego, es una pregunta que no he podido contestarles con rapidez, y acaso tampoco con gran convicción. Tienen que pasar varios minutos –ensayos, pruebas con la cámara, caminatas alrededor- para intentar vislumbrar el encuadre que pueda contener la respiración del cortometraje.

Es que, una vez en el lugar, lo imaginado no sirve más, aún cuando se conozcan las locaciones de antemano o puedas ver la historia en tu cabeza. La relación con el espacio es determinante aquí. En todo caso, hubiera sido bueno tener un storyboard. Hubiera sido más rápido si se grababa de manera funcional: primer plano, plano medio, plano general… Pero otras fueron las decisiones. Si resultaron o no acertadas, solamente lo sabré cuando revise a solas todo el material grabado.

En plena grabación uno también empieza a luchar contra sus propios ímpetus. Llegaba con la idea de grabar un hecho de la manera más simple posible. Ahora, a cada momento, una nueva idea, una nueva imagen, una nueva manera de narrar brota y quiere darse su lugar, apropiándose de algunos segundos de cinta que no estaban destinados para ello.

En sus Prosas Apátridas, Ribeyro escribió:

Si yo digo: “El hombre del bar era un tipo calvo”, hago una observación pueril. Pero también puedo decir: “Todas las calvicies son desgraciadas, pero hay calvicies que inspiran una profunda lástima. Son las calvicies obtenidas sin gloria, fruto de la rutina y no del placer, como la del hombre que bebía ayer cerveza en el Violín Gitano. Al verlo, yo me decía: ¡en qué dependencia pública habrá perdido este cristiano sus cabellos!”. Sin embargo, quizás en la primera fórmula resida el arte de relatar.

¿Cuál será la mejor formula para relatar? ¿Cómo saber si se está eligiendo la correcta? Sé que la misma escena puede ser narrada de distintas maneras, según distintas miradas. Solamente hay que concentrarse en no contaminar la mirada original e impedir que desaparezca, abrumada, en medio de los apuros. Aún así, y aunque no creo en la improvisación, me he dejado convencer por aquello que no estaba previsto.

Antes de sentarme a revisar con calma las imágenes que grabamos, puse la cinta que estaba marcada con el rótulo “Detrás de cámaras”. Era una payasada, desde luego, pero quería relajarme un poco previamente a realizar la pauta de tomas.

Y funcionó.

Ver cómo ese grupo de compañeros que aceptaron participar en algo quizás tan inútil, tan irrelevante como un cortometraje, verlos cómo interactuaban de manera grata y dedicada, realizando siempre propuestas nuevas sin perder nunca el humor, resultó la mejor manera de regresar al universo de nuestro cortometraje, una manera acertada y estimulante.

Un compañero de grabación tenía razón: participar de una grabación a tiempo completo termina por crear una forzosa convivencia entre los miembros del equipo, casi al atormentado estilo de un reality. Y, siguiendo sus palabras, “si sólo uno de nosotros hubiera sido un engreído o un imbécil –durante nuestro trabajo- el proyecto habría fracasado”. Pero, felizmente, luego de tres días de trabajo arduo, no se asomó ningún conflicto.

Si algo bueno tiene el cortometraje es, de lejos, gracias a ellos, un pequeño equipo de verdaderos profesionales, sobre los cuales quizás ni estuve a la altura.

Tomado de varios posts en La Cinefilia no es patriota

("Diario de un cortometrajista")

Marzo, en Caixa Forum.

2011-03-08T02:45:00.000-08:00

Lartigue

Este mes no se pueden perder dos muestras gratuitas en Caixa Forum - Madrid.

"Un mundo flotante" se llama la exposición que presenta 230 fotografías exquisitas realizadas por Jacques Henri Lartigue, ese predecesor de los Lumière, ese fotógrafo del instante, creador de fotos más cinematográficas que muchas películas.

También se puede ver la exposición "El efecto del cine: Ilusión, realidad e imagen en movimiento", donde distintos videoartistas se plantean (y destruyen) nuevas preguntas sobre los límites de lo que asumimos como realidad. Fantôme Créole, del reconocido Isaac Julien, es hipnótica.

Berlinale 2011: Apuntes finales.

2011-02-21T02:06:00.000-08:00

El European Film Market está situado en las dos plantas de un edificio inmenso. Dos plantas llenas de stands donde prácticamente encuentras a todos los países que apuestan por el cine como imagen exterior, como presencia de su cultura, como marca. Así vemos inmensos stands con la bandera italiana, la canadiense, la española. Pero también hay stands, no tan grandes, pero con mucha actividad: el de Croacia, por ejemplo.

No me extraña que no haya un stand de Perú. Ahí el cine aún es percibido como una actividad de secundaria importancia para el gobierno y son escasos los recursos que llegan desde él.

Veo el libro que se reparte en el stand de Turquía:

Un libro de casi cien páginas, donde se mencionan 24 largometrajes ya terminados y 31 en plena producción. También, datos de las compañías para producir y distribuir, además de los nombres de innumerables festivales que ellos tienen.

Para mí el cine turco era tres nombres, pero veo con asombro que ya hay toda una industria que va en ascenso año tras año. Me ha resultado toda una sorpresa y cada vez que puedo converso con alguien sobre el tema. Pregunto cómo fue posible, pregunto si ha tenido que ver mucho la coproducción con otros países. Pero no, excepto la que estaba compitiendo por el Oso de Oro, hay un par más que son coproducciones. Todas las demás son películas 100% turcas, la mayoría hechas en 35mm.

Las respuestas son las mismas: 1) Apoyo del gobierno y, 2) Unión de la comunidad, una comunidad donde, si bien hay dos grandes nombres "por encima", nadie mira sobre el hombro a nadie y nadie ataca por atacar a nadie. Las productoras cooperan entre ellas, se "co-producen" sin tener que salir del país. Se apuesta por una historia y se respetan los plazos de trabajo. Se rotan los puestos. Se desarrollan historias variadas. Las instituciones se comprometen.

Creo que cada país tiene su propia manera de desarrollar su cine. Como en las películas, no existe un guión fijo para alcanzar el éxito. Pero quizás si esperamos que países como Perú tengan finalmente una presencia constante a nivel mundial, podríamos empezar a estudiar con mayor atención los casos de cines emergentes en las últimas décadas. Como el caso de Latvia, cuyo cine también tiene un stand y varios proyectos que ofrecer.

La primera vez que me encuentro con Paula y con Viviana fue en un café, por la noche, un día después del estreno de su película. Asumo que estaban ligeramente nerviosas: los primeros comentarios fueron ambivalentes respecto a El premio.

Pero en cambio yo la vi, me sentí hipnotizado en varios momentos y hasta escribí unas palabras al respecto. Tuve el coraje de acercarme a saludarlas y a felicitarlas por la película. "Seguro van a ganar un premio", y ellas se ríen. Cuando al día siguiente veo los puntajes de algunos críticos locales, me siento un poco decepcionado porque no comparten mi entusiasmo con esa película.

Robinson me dice que me he vuelto un blando, que todo lo veo con buenos ojos, que no soy ácido ni crítico como antes con las películas, que el Festival me ha cambiado. Pero no es así. O no del todo. Naturalmente, mientras camino por Berlín solamente tengo buenos ojos para la ciudad y para el festival. Bonito. Todo me parece bonito.

Pero hay películas y cortometrajes que no me gustan. Solamente que no hablo más de lo que no me gusta o, en todo caso, hablo de los elementos que sí me gustan. Esto, sin embargo, no es por el festival sino una lección que saqué tras los dos años estudiando en Madrid: desde fuera es más sencillo aplaudir así como destruir. Desde dentro, uno puede incluso valorar muchos aspectos de una obra que en su concepto no llega a apreciar.

Pero tampoco discuto con Robinson y le digo que sí, que tiene razón en todo y sigo sonriendo. Así, hasta el final del festival, donde El premio se lleva dos Osos de Plata y finalmente me puedo encontrar de nuevo con Paula y Viviana, felicitarlas nuevamente y ser testigo de la inmensa alegría que ahora sí llevan, completamente.

"Poético" es el adjetivo que más usan para referirse a La calma los directores de los otros cortos en competencia. Claro que esa calificación tiene doble sentido: Poético... ¿porque no se entiende? ¿por no llamarlo experimental? ¿por dulzón a lo Neruda? Creo que son todas las anteriores. En todo caso, sigo sonriendo y respondo con palabras amables hacia sus cortos.

Pero no es hipocresía sino la verdad. Hay cortometrajes muy buenos, muy intensos. Como la apocalíptica Switez, del humildísimo Kamil, animación hecha con pinturas de gran escala, en un trabajo de 7 años, coproducción de cinco países y segura candidata al Oscar el próximo año. O como Stick Climbing, del divertidísimo Daniel, un proyecto desarrollado para un museo pero visto en el cine resulta sorprendente y regocijante. Y como otros tantos. El hecho que Park Chan-Wook y su hermano ganaran la competencia de cortos (y que el Oso de Plata fuera para otro corto coreano que también hubiera firmado tranquilamente Park) no me entristece sino, por el contrario, me da un orgullo especial.

Jamás dejaré de estar agradecido a Maike Mia Höhne, la curadora de la sección, por haber aceptado a La calma en la competencia. Ver el corto en medio de una selección muy fuerte ha hecho renacer algunas convicciones que tambaleaban en los últimos meses y me ha dado la confianza de que el próximo proyecto será aún mejor.

Y sé que cualquier joven cortometrajista que haya hecho su corto en MiniDV y haya pensado "no, para qué voy a mandar esto, no tiene sentido", esa persona debería reevaluar nuevamente el destino de su corto. Creo que antes de ocultarlo en el cajón (como estuvo a punto de pasar con La calma), debe uno permitirse soñar con mostrarlo donde le dé la gana. Los resultados pueden ser insospechados.

De vuelta en Madrid. La maleta está llena de tarjetas, flyers, papeles impresos y papeles escritos a mano. Tantas personas en tan poco tiempo.

Detrás de esos nombres hay promesas para proyectos futuros, acuerdos futuros que se desvanecerán con el tiempo, que caerán en terreno rocoso y se secarán.

Pero con otras personas, lo sé, se formará algo que aún es vago pero que ya ha lanzado un primer aliento. Lo importante ya ha ocurrido.

Y todo lo que suceda después dependerá del trabajo y la dedicación. Es la única cosa cierta: trabajo y dedicación. Es la mejor manera de amar al cine y de respetarlo. Sin esperar nada más.

Luego, si alguna buena noticia aparece, será nuevamente momento de sonreír.

Berlinale 2011: Béla Tarr y otros apuntes desde el lobby.

2011-02-16T12:11:00.000-08:00

El martillo.

Dice la historia que un día Friedrich Nietzsche se cruzó por el camino con un cochero que azotaba con dureza a su caballo. Nietzsche se acercó al animal, lo abrazó con fuerza y le pidió perdón en nombre de la raza humana. Al llegar a casa, el filósofo cayó enfermo. Nunca volvería a escribir más.

Ya sabemos lo que le pasó a Nietzsche, pero no sabemos lo que ocurrió con el caballo...

Así empieza The Turin horse, la última película de Béla Tarr.

El asunto con Tarr es que sus películas se escapan de todos nosotros y se elevan (o se hunden) con una furia devastadora. En los festivales siempre hay películas que hablan de la familia, de las crisis emocionales, de temas que puedes relacionar de alguna manera.

Sin embargo, las películas de Tarr están alojadas en el infierno, en la oscuridad absoluta. Parecen obras realizadas por el demonio mismo. Solamente los primeros diez minutos te azotarían el espíritu de manera dolorosa. Está más allá de lo imaginado.

No es casualidad la mención de Nietzsche en la anécdota inicial: Béla Tarr es el gran martillo del cine contemporáneo.

Las malas intenciones

Ya se estrenó la ópera prima de Rosario García-Montero. Es una buena película con un trabajo visual muy especial (el arranque de la película te captura de inmediato) y con un guión inteligente, con momentos muy ingeniosos.

Fátima Buntinx, la niña protagonista del film, es el alma dulce y terrible de la película. En sus gestos, en sus quejas, en sus ojos es donde la película reside, y lo hace bastante bien. El público la aplaudió muchísimo y le festejó cada respuesta que dio sobre el escenario. Resultaba difícil relacionar su encantadora presencia en la vida real con ese personaje tan inquietante creado por García-Montero. Seguro tendrá buena acogida en cada cine adonde llegue.

C. Llosa, K. Mundruczó y A. Sissako en charla con los Talents.

En los breaks del Talent Campus

Amigo 1, de Turquía:

Me habla de N.B. Ceylan. Me habla del cine turco. Ahora tienen una película en competencia, en la Sección Oficial. El año pasado ya ganaron un premio también. ¿Cómo hacen?

“Es el gobierno el que ha decidido hace unos años impulsar el apoyo a los jóvenes cineastas. Ahora ya es normal que se escuche hablar del cine turco. Además, todos nos conocemos, yo estoy en el Talent pero soy el asistente de montaje de la película en competencia. Y así, nos rotamos muchas veces. Y también aparece gente nueva, desde luego.”

Amigo 2, de Filipinas:

“¿Has visto lo que están haciendo en los festivales de cine en Asia? Es la locura. Mucho dinero para juntar a los jóvenes cineastas con tutores. He tenido de tutores a Brillante Mendoza y a Raya Martin. Pero, quiero decir, tutores, amigos, eso de estar varios días hablando de cine, bebiendo cerveza, conociendo lo que pensaban. Es lo mejor que puede pasarte. A ese festival le están metiendo mucho apoyo por todos lados y estoy seguro que ya es el más importante de Asia.”

Amigo 3, de Costa Rica:

“El cine costarricense se está construyendo. No tiene ahora una presencia importante, pero poco a poco empiezan a aparecer nuevos nombres. Además, hace poco han creado la escuela de cine y eso ayudará mucho a que los jóvenes puedan ver y discutir películas. El proyecto tiene que verse a largo plazo. De aquí a una década podríamos estar hablando de un cineasta realmente importante nacido en Costa Rica.”

El del DAAD y el del Óscar.

Ando completamente perdido. Estoy en una de esas recepciones, uno de esos cocteles de embajadas a las que me han invitado por error, estoy seguro. Sonrío, cojo un bocadillo, sonrío, cojo alguna copa, y esperar 10 minutos a que se acabe el bocadillo y la copa. Por el contrario, la cara de extraviado no se acaba.

De pronto me sorprendo: hace varios minutos un grupo de jóvenes hablan en español cerca de mí. ¿Qué hacer? En fin, me acerco y digo lo que la etiqueta indica que se diga en esos casos: “Perdonen, ¿ustedes no conocen una imprenta aquí en Berlín? Es que debo imprimir unos posters de un cortometraje y no sé dónde puedo hacerlo”. Muy amablemente, y perdonando mi inelegante intromisión, uno de ellos se acerca y me saluda: “Soy Sergio”. Luego me da una dirección en una servilleta y, advirtiendo mi calidad de paria, me conversa amablemente sobre el festival. Me presenta a su amigo, un tipo amabilísimo. Quedo agradecido con ambos, les cuento que el corto está en competencia y que me gustaría invitarlos a él. Y ya, nos despedimos.

Cuatro días después, tenemos un desayuno con personas del DAAD, que es esta fundación que te paga todo para que vivas cómodamente en Berlín por tres meses mientras desarrollas tu proyecto. Vargas Llosa, Tarkovski y Arvo Pärt son algunos de los nombres que han pasado por ahí en su momento.

A mitad de desayuno nos presentan a las personas de la institución y también a alguien que había sido becado por ellos: el amabilísimo amigo. A su lado, Sergio. Resulta que Sergio escribió el guión de un cortometraje que había sido nominado al Óscar. Hablo de nuevo con ellos, ahora con mayor confianza y entusiasmo. Luego seguimos conversando por las calles de Berlín. Son dos personas excepcionales, de alta inteligencia y un humor agudísimo. Los invité a ver el corto. Sé que entraron, pero no los vi a la salida. Quizás huyeron para evitar comentarios perversos sobre el corto. De todas maneras, me tomaré la confianza de, a partir de hoy, llamarlos mis amigos, el del DAAD y el del Óscar.

La calma.

La primera proyección de La Calma fue dolorosa. Justo antes habían proyectado Planet Z, un trabajo impecable de Momoko, una japonesa que vive en París. Es un corto técnicamente exquisito, y viene con la firma de Canal +. A continuación proyectan La calma y, al haber sido hecho en vídeo, la poca resolución del corto me ha torturado en varios momentos. La pasé mal, realmente, y al salir a hablar frente al público tuve que frenarme para no colapsar.

La segunda proyección resultó mucho mejor. No me sentía tan mal y hasta pude ver algunas caras de los asistentes. El público parecía verdaderamente interesado, o al menos son muy diplomáticos, sin duda. Queda una proyección más y esa ocasión la usaré para ver solamente a los espectadores. Y luego de eso, todo estará terminado y podré volver a pensar en Madrid, en retomar la vida habitual y en construir el siguiente proyecto. Todo esto será un bonito sueño y una grata experiencia para entonces.

El discurso.

2011-02-15T04:52:00.000-08:00

Esta tarde quería volver a escribir algunos comentarios de la Berlinale, sobre Las malas intenciones, sobre el cortometraje que ya ha sido estrenado, y algunas informaciones que quizás sean valiosas para jóvenes cineastas que deseen mover sus proyectos por estos lados.

Escribiré pero será mañana, o más adelante. He pasado esta hora de descanso leyendo y releyendo el gran discurso de Álex de la Iglesia que ha aparecido en El País.

Me he conmovido con sus palabras y, aunque seguramente ustedes ya lo han leído, lo copiaré íntegramente. Son actos de este tipo los que pueden hacer surgir algo importante en el futuro.

Además, pueden aplicar este discurso a cualquier otra cinematografía y funcionaría perfecto. Al leerlo piensen en el cine peruano, el cine argentino. Encaja, ¿no?

El asunto ahora es, ¿lo habrán entendido?

Hay que ser humildes. A mi me cuesta mucho, soy soberbio y engreído. Parece que forma parte de mi trabajo, y no debe ser así. No somos tan importantes. Importante es salvar vidas en un hospital. Eso sí que debería tener trascendencia mediática. Hay que ser humildes y estar agradecidos. El público, que es la gente para la que trabajamos, ha ido a ver nuestras películas más que nunca, y eso es un honor y un orgullo. No pensemos que somos mejores por eso. Pensemos que nos han dado una oportunidad. Hay que aprovecharla.

Tenemos que ser humildes, estar agradecidos y pedir perdón por haber fallado muchas veces. Nunca reconocemos nuestros errores. Nos miramos al ombligo, nos encanta nuestro ombligo. Tenemos pósters de nuestro ombligo en casa, cuadros de ombligos llenando nuestras paredes. Creemos que somos artistas, genios alternativos, creadores. Antes de todo eso, somos trabajadores. Nos pagan por hacer un trabajo, y hay que hacerlo bien. Este año ha sido uno de los mejores, pero el siguiente tiene que ser todavía mejor. Los primeros que tenemos que arrimar el hombro somos nosotros. Yo ruedo mañana, así que no me quedo a los canapés.

Y aquí viene el meollo de la cuestión, porque hay mucha gente que no puede rodar, que no puede trabajar. No tiene esa suerte. No sólo hablo de directores, o productores que no encuentran medios de financión. No hablo de distribuidores que luchan por colocar nuestras películas en las pantallas, o exhibidores que ven cómo desaparecen sus salas. Hablo de miles de familias que no tienen glamour y no salen en las revistas; que no han estado ni estarán nunca en los Goya. Gente que se dedica al montaje, al sonido, maquilladores, eléctricos, sonidistas, actores de reparto, figurantes, empresas de catering, gente que vive de esto, que genera riqueza.

Estamos aquí para que esta gala sea divertida, promocionar las películas, y que la gente vaya al cine. Pero el asunto es más serio de lo que parece. Necesitamos fortalecer la industria, y así poder hacer mejores películas. Hacer todo tipo de cine, tanto grande como pequeño. Contar todo tipo de historias, comernos la cabeza para hacerlo con los medios que tenemos y competir con Hollywood. ¿Saben ustedes lo increíblemente difícil que es sobrevivir tanto sólo una semana en cartelera? Algunos de los que compiten aquí han conseguido el milagro de ser número uno en taquilla. Creo que se merecen un aplauso.

Estamos contentos. Tenemos motivos para estarlo. El cine hecho en este país ha vivido en 2009 uno de sus mejores años. No sólo por la taquilla. Este año nos hemos sentido vivos. Más vivos que nunca. Un año comprometidos con nuestra profesión y con nuestro sector. Un año polémico, complicado, con desacuerdos y desencuentros. ¡No puede ser de otra manera! Somos así, como una imagen grotesca de nuestro propio entorno. Sin embargo, podemos cambiar. Miradme, 35 kilos menos. Podemos y debemos llegar a un acuerdo, y entender que no hay una manera de hacer cine, sino muchas, y que debemos contemplarlas todas.

Este semestre el Gobierno ha asumido la Presidencia de la Unión Europea. Es una oportunidad única para reafirmar nuestro compromiso con Europa. El cine es, precisamente, uno de sus mayores y mejores altavoces. Utilícenlo. Estamos a su disposición.

La Academia está a punto de cumplir su primer cuarto de siglo, y lo que fue un sueño de unos cuantos entusiastas, es ahora una comunidad de más de 1.200 personas, orgullosas de su trabajo. Tenemos que convencer a la sociedad de que también puede estar orgullosa de nosotros. Este año, los que disfrutáis de la gala, lo habéis conseguido. Enhorabuena.

Tenemos que cambiar, pero unidos. Tenemos un frente común y los mismos objetivos. No es tan difícil. Para todo esto necesitamos cobertura. Necesitamos leyes que protejan la coexistencia de todos los sectores industriales, y eso incluye también al cine. Desde aquí quiero hacer un llamamiento a los grupos de poder que pueden facilitar este cambio. Me refiero a las televisiones.

Televisión Española sigue demostrando su compromiso, sin el que, les aseguro, sería muy difícil la existencia del cine en España. A las restantes no les pedimos su generosidad, sino que les ofrecemos nuestra disposición a trabajar, para demostrarles que juntos podemos acercarnos a lo que todos queremos: la mayor calidad para nuestros espectadores. Las televisiones han ayudado a levantar películas que gozan de un éxito internacional inimaginable hace unos pocos años, proyectos rentables con un enorme prestigio y una imagen extraordinaria para sus productores. Eso sólo lo consigue el cine. Por favor, no lo olviden.

El año 2010 no ha hecho más que comenzar. Humildad, agradecimiento, ilusión y orgullo. Esforcémonos en ello. Les aseguro que habrá muchas películas españolas que disfrutar. No se las pierdan.

Berlinale 2011: El Premio.

2011-02-13T00:00:00.000-08:00

El premio, de Paula Markovitch

DÍA 1: El Premio y otros apuntes.

Cuarenta minutos caminando hacia el norte por Friedrichstraße, o shopping street: La elegancia de las tiendas y en los transeúntes es notoria. Tras cruzar el río, a cinco minutos, está FriedrichstraßePalast, "Europe´s biggest show palace". Un sitio impresionante, apabullante, como casi todo lugar en Berlín. Y, en su sala principal, El premio, de Paula Markovitch.

Mientras espero en la fila, mis oídos se dejan atrapar por tres amigos que hablan en español. Supongo que es lo normal. Uno de ellos menciona un dato que ni siquiera había advertido: Paula Markovitch ha firmado el guión de una de las más hermosas películas mexicanas que recuerdo en los últimos años: Lake Tahoe, de Fernando Eimbcke. Tomo asiento. La pantalla es realmente kilométrica. Una anfitriona está de pie, en medio de las escaleras, y sonríe hacia algún punto vacío allá arriba. No hace nada más que mirar al vacío. Permanece así durante los treinta minutos que dura el ingreso del público por ese sector. Luego le hace una seña a alguien y desaparece.

Paula Markovitch

Las olas tienen muchas hermanas.

La cantidad de créditos iniciales hace sonreír al público: "Con la coproducción de... con la coproducción de..." Están muchos nombres conocidos ahí: World Cinema Fund, Fonds Sud, una institución polaca. Así, se ve que es una película de varias naciones. Pero lo más sorprendente es notar, luego, ya arrancada la película, que se trata de fundamentalmente una película argentina, en sus personajes y en su historia. En todo lo demás, es una película universal.

Paula Galinelli Hertzog se llama la niña que encarna a Ceci, la pequeña protagonista del film que debe callar su historia de los demás. ¿Cómo podría ella hablar de algo que ni siquiera entiende bien? Así que, en lugar de hablar, ríe sin parar, deja que el viento la golpee, sufre y abraza a su perro, se alegra cuando su mamá le pregunta si quiere dormir con ella...

¿Qué significa "pesimista"?

Creo que la fortaleza de la película reside en que Markovitch observa, realmente observa a los niños y en cada plano y en cada sonido se siente este deleite: en la miradas, en los juegos absurdos, en las voces. A partir de este disfrute parece que se ha ido decidiendo el ritmo de la película. La cineasta nos confronta con momentos habituales de nuestra existencia: ensimismamientos, daydream moments, instantes meramente sensoriales.

Rodaje de El premio

Por ello, algunos han comentado que es una película hermosa pero "algo extensa" y "un poco literaria" (*leer nota al final del post).

A mi gusto, esas escenas "literarias" son las más emotivas, son las que me hicieron revivir mi infancia y la que me llenaron de una nostalgia que aún llevo encima. Porque, en verdad, hay una melancolía enorme en toda la película, y esa melancolía se ha disfrazado de niña. Y también de madre. Y ya sabemos que la melancolía no puede extirparse, sólo ensancharse.

Pero también hay escenas con una tensión fortísima y esta convivencia de sensaciones es la que hace de El premio una película altamente recomendable. Seguro llegará a estrenarse en muchos países, y no precisamente por ser una multi-coproducción.

Debido a las actividades del Festival, me he ido perdiendo distintas proyecciones. Ando con prisa y me estoy volviendo un experto en tomar el metro en sentido equivocado. He jugado al rato y al ratón por día y medio con Robinson, ayudante de dirección de La Calma. Al final nos encontramos para la primera proyección del cortometraje, realizado exclusivamente para los acreditados en el Festival.

La verdad es que ha sido una experiencia extraña ver el cortometraje en la pantalla de un cine (ya estaba acostumbrado a verlo en la pantalla de la laptop o a lo más en un televisor de mediano tamaño). Extraño, es lo único que puedo decir. Y me guardaré para siempre esta experiencia, esta primera vez. ¿No es así como se siente alguien que acaba de perder la virginidad? Extraño.

Las personas del Berlinale Shorts son el exceso de la amabilidad y ayudaron a que se me fuera el terror. Pero no me imagino la Premiere, el lunes 14 por la noche. No me veo presentando el corto frente al público. Ahí sí tendré que responder preguntas y todo ese asunto.

Creo que simplemente me pondré al frente y, como la anfitriona del cine, miraré hacia algún punto vacío allá arriba, sin decir nada.

(*) NOTA:

Al día siguiente de escribir sobre El premio, me crucé con Paula M, la directora, y conversamos sobre su película. Hablamos de los comentarios que se referían a su film como una película "literaria", según unos periodistas. La directora me aclaró el tema:

"Cuando hablé con el periodismo me referí a que para mí el cine es literatura. Yo me refería a un concepto teórico que abarca a todo el cine, no a mi película en particular.

Es decir, yo considero que el cine se inventó mucho antes que el celuloide y que todas las películas -aún las hollywoodenses- tienen una naturaleza literaria. Era un concepto teórico pero los periodistas comprendieron otra cosa, comprendieron como que mi estilo era literario.

Y bueno, ya me di cuenta que en conferencia de prensa hay que ser extremadamente precisa porque la comprensión es muy difusa... A raíz de esa confusión atribuyen lo extenso de la peli y de algunas escenas, a mi supuesto estilo... literario."

Además, me entero que el rodaje de El premio se terminó hace poco más de tres meses, y el trabajo de edición y post fue hecha a toda velocidad, por lo que es posible que aún haya un leve ajuste final antes de subir la película a 35.

En todo caso, a mí, la versión que vi, me encantó y espero verla nuevamente en los próximos meses en Madrid.

Desde mañana: BERLINALE 2011.

2011-02-10T08:54:00.000-08:00

Empieza la Berlinale.

Vía streaming la pueden seguir desde su website:

http://www.berlinale.de/en/visuals/videostreaming/live-streaming/index.html

Si da el tiempo, desde mañana intentaré empezar una suerte de "diario del festival".

Un gran saludo a todos los que nos han escrito por la selección del cortometraje.

Nosotros hemos venido a pasarla bien, disfrutar la experiencia, responder todas las preguntas que nos hagan sobre nuestra obra y, desde luego, buscar a Tarr, a Herzog, a Jonze, a Park, a Maddin... y mirarlos de lejos sin atrevernos a saludar...

¡Hasta mañana!

El cineasta amateur, por Maya Deren.

2011-02-07T02:21:00.000-08:00

El mayor obstáculo para los cineastas amateurs es su propio sentimiento de inferioridad vis-à-vis con las producciones profesionales.

La propia clasificación “amateur” tiene un timbre apologético. Pero la propia palabra –del latín “amateur”– “amante” significa alguien que hace algo por amor a la cosa más bien que por razones económicas o por necesidad. Y este es el significado por el cual el cineasta amateur debe tomar su camino.

En lugar de envidiar el guión y los escritores de diálogos, los actores entrenados, los equipos elaborados y los sets, los enormes presupuestos de producción de los films profesionales, el amateur debe hacer uso de la gran ventaja que todos los profesionales le envidian, llámese libertad –tanto artística como física.

Libertad artística significa que el cineasta amateur nunca es forzado a sacrificar el drama visual y la belleza a una corriente de palabras, palabras, palabras, palabras, a la incesante actividad y explicaciones de un plot, o al despliegue de una estrella o del producto de un patrocinador; de la producción amateur no se espera que retorne utilidades sobre una gran inversión manteniendo la atención de una audiencia masiva y variopinta por 90 minutos.

Como el fotógrafo amateur el cineasta amateur puede dedicarse a la belleza y la poesía de lugares y eventos y, desde que usa una cámara de cine, puede explorar el vasto mundo de la belleza y el movimiento… En vez de tratar de inventar un plot que mueva, usa el movimiento del viento o del agua, los niños, la gente, elevadores, pelotas, etc., como un poeta las celebraría.

Y usa su libertad para experimentar con ideas visuales; sus errores no harán que lo despidan.

Libertad física incluye libertad de tiempo –libertad de los plazos impuestos por un presupuesto. Pero sobre todo, el cineasta amateur, con su pequeño, ligero equipo, tiene una inconspicuidad, y una movilidad física que es la envidia de la mayoría de los profesionales, cargados como están por sus monstruos de muchas toneladas, cables y equipos.

No olvides que no hay trípode construido que sea tan milagrosamente versátil en movimiento como el complejo sistema de soportes, articulaciones, músculos y nervios que es el cuerpo humano, el cual, con un poco de práctica hace posible una enorme variedad de ángulos de cámara y acción visual. Tú tienes todo esto y un cerebro también, en un solo, compacto, empaque móvil.

Las cámaras no hacen films. Los cineastas hacen films. Mejora tus films no añadiendo más equipo y personal sino usando lo que tienes a su total capacidad. La parte más importante de tu equipo eres tú mismo. Tu cuerpo móvil, tu mente imaginativa, y tu libertad para usar ambos. Asegúrate de usarlos.

Maya Deren, Film Culture, Invierno de 1965.

Adieu Gary: un reencuentro con Jean-Pierre Bacri.

2011-02-04T06:10:00.000-08:00

Como ya había comentado, este blog tuvo el honor de ser elegido como parte del Jurado del Primer Festival Online que se ha hecho hasta el momento: My French Film Festival. Ha sido una labor complicada, un poco agotadora también, pero ya ha terminado.

En general, aunque algunas recientes películas francesas manifiestan el deseo de sacudirse un poco del habitual "naturalismo social" (De dioses y hombres, de Beauvois, por ejemplo), lo cierto es que la mayoría de cineastas franceses se sienten cómodos con los dramas familiares. Y está bien que sea así, pues aclarada la mirada solamente tienen que avanzar pulcramente en los siguientes pasos. Y los resultados son bastante apreciables.

Así tenemos, por ejemplo, a La famille Wolberg de Axelle Ropert. Una película especial, donde el drama siempre está presente de manera muy suave, oculto bajo las gracias de la cotidianeidad, pero que finalmente aflora en un episodio doloroso para quien sabe de rupturas familiares. Y esto se encuentra hasta en la película más definida por un género, como es el caso de Espion(s) de Nicolas Saada.

Pero había que elegir al mejor film, tarea complicada y que ha hecho que aumente mi respeto para quienes han sido jurados de competencias cuyo nivel se ha mantenido parejo.

Adieu, Gary

El punto de partida es reconocible: un joven vuelve a su pueblo. A través de sus ojos, de su reconocimiento, de sus expectativas, así es como vamos a identificar el lugar y sus personajes.

Desde la primera toma, el director, Nassim Amaouche, nos va llevando hacia ese estado de letargo, el letargo del típico pueblo de provincia, anclado un poco en el olvido de la civilización. Las pausas, los personajes ubicados en medio del encuadro y solamente espacio vacío alrededor, el rumor del polvo y los árboles, todo nos va empujando a ese ambiente.

De hecho, todo muy medido, todo muy cuidado y también hubiera pasado como una buena película más. Pero aparecieron dos elementos que, a mi gusto, la hacen una película especial:

En primer lugar, la actuación de Jean-Pierre Bacri como el padre que vive entre el fastidio y la esperanza de que su vida a los ¿cincuenta y algo? aún pueda mejorar. Quizás el padre sea el verdadero protagonista del film y no su hijo. Ese pueblo es él, esa soledad, esa angustia frente a la juventud donde regaña a sus hijos pero a la vez teme perderlos, ese próximo anciano sin rumbo ahora que ya no hay fábricas, ahora que su sindicato resultó un fiasco, ahora que ni siquiera el tren pasa por ahí.

El padre es, finalmente, el rostro del fracaso. Y ese fracaso ha estado presente en nuestras cenas familiares, en nuestros deseos de viajar lejos, en nuestras ganas de volver a casa. Es un fracaso cariñoso, y por ello mismo aún nos causa tristeza. Excepcional actor Bacri, quien con un mínimo quiebre gestual evoca a la imagen paterna de inmediato. Ya lo recordaba de El gusto de los otros, y redescubrirlo aquí ha sido una grata sorpresa.

Y en segundo lugar, hay un momento del film que me parece particularmente bello. Trataré de explicarlo: Eventualmente, en el pueblo de la película aparecen personajes secundarios, silenciosos, como almas en pena. Uno de estos personajes es un adolescente gordito a quien nunca vemos hablar, ni siquiera con su madre. Está encapsulado en el recuerdo paterno al tiempo que mira westerns clásicos.

A ese joven lo vemos poco en la película... y sin embargo, en él radica el misterioso título. "Tu padre era muy guapo, todos decían que se parecía a Gary Cooper" le dice la madre. Es a esa figura exitosa, encumbrada, a quien el adolescente extraviado espera. Y es así como se explica el misterioso título de la película.

La incómoda realidad se presenta de manera melancólica en esta película. Pero no me gusta por eso, sino por la coherencia formal, por sus grandes actores y por el inesperado arribo de esa magia que justifica todo el naturalismo previo.

Posters/Carteles de colección.

2011-02-02T04:01:00.000-08:00

Hace unos días, cuando debíamos pensar rápidamente en un póster para el cortometraje que vamos a presentar en Berlín (La calma), tuve que revisar varios websites para darme una idea de cómo enfocar ese detalle usualmente menospreciado pero que, en realidad, es una carta de presentación fundamental para toda obra.

Así, me encontré con unas obras dignas de ser compartidas, especialmente en Mondo, the blog. Haz click para agrandarlas:

Bad Lieutenant, de Alan Hynes.

The Evil Dead, de Olly Moss

Frozen, de Kevin Tong

The Godfather, de Billy Perkins y Jeff Kleinsmith

Der Golem, de The Silent Giants

The Human Centipede, de The Silent Giants

Metrópolis, de Rich Kelly

Night of the Living Dead, de Florian Bertmer

Plan 9 From Outer Space, de Todd Slater

Scott Pilgrim vs The World, de Martin Ansin

Luke´s Destiny, de Frank Stockton

Night of the Living Dead, de Florian Bertmer

(y brilla en la oscuridad)

The Lost World, de Dan McCarthy

The Wolfman, de Daniel Danger
(a ver si encuentras al lobo)

Y, bueno, el cartel de nuestro cortometraje es el siguiente:

La Calma, de Carlos Villalobos.

A mí me gusta.

La objetividad ha hablado.

Ray Loriga y una comunidad dividida.

2011-01-30T04:07:00.000-08:00

¿En cuántos países los problemas de toda una comunidad no se resuelven por la incapacidad de abrir un espacio de diálogo franco entre dos grupos aparentemente irreconciliables? Lo he visto pasar en Perú, lo veo pasar en España y seguramente pasa en innumerables lugares más. Lo he visto pasar, sobre todo, en el mundo del cine, aunque también en otros ámbitos.

Hace unos días asistí al evento de Madrid Fusión, ese encuentro internacional . Resultaba curioso un asunto: por primera vez, un país extranjero organizaba el Menú Oficial para toda la concurrencia (siempre ha sido o un menú valenciano o un menú extremeño, etc., al menos en los últimos tres años.) Esta vez le tocó a "Perú" (así, como "marca"). ¿Cómo se logró eso? ¿Cómo se pudo cumplir con esa meta?

El resultado fue ver a distintas personalidades trabajando entre todos: el postre de una chef, el ceviche de otro, el ají de gallina de otro más, los pisco sour de otros... Parece que esto no tiene nada que ver con el cine. Pero sí.

Conversando con el chef Gastón Acurio, él comentaba que la única manera de alcanzar un logro de esa naturaleza (la cocina peruana como una presencia constante, como una marca sólida, en aumento) era dejando los egos y las rencillas personales de lado y empezar a reconocerse como parte indisoluble uno del otro, "en lugar de estar peleando por migajas".

Pero para eso se requiere igualdad. Uno debe reconocerse igual al otro, no sentirse un ser superior al otro ni un ser que tiene más derechos que otros. ¿Es posible que alguna vez ocurra eso en los gremios del cine?

Sordo. Ese es el nombre del artículo de Ray Loriga ha sido publicado hoy en "El País", del cual rescato unos párrafos:

Vaya por delante que me importa un bledo que la gente se descargue gratis canciones, libros, películas, sexo y calzoncillos en la Red; están, supongo, en su derecho, al menos hasta que este derecho, como cualquier otro, sea razonablemente cuestionado; lo que no estoy dispuesto es que antes y después de hacerlo se vean obligados por Dios sabe qué fe a insultar.

Una y mil veces diré que se coja lo que se quiera y también lo mío, si es que alguien lo quiere.

Lo que pase en el engañosamente fascinante imperio de la Red lo decidiremos entre todos y no será ajeno al discurrir de otros conflictos que en la larga historia de las sociedades han sido, pero quiero dejar dicho que en mi humilde opinión el insulto sistemático a todo un sector de trabajadores, más y menos afortunados, no es la mejor manera de empezar a arreglar nada.

Recuerden por si acaso una vieja máxima de la revolución que sirve igual para inmigrantes, comadrejas y titiriteros: cuando el Estado consigue que el enemigo sea el pueblo, es que el Estado ya ha ganado.

Los reclamos e indignaciones son necesarias en cualquier debate. Pero visto lo ocurrido con la cocina peruana, parece que las soluciones aparecen con el diálogo abierto, libre de burlas, insultos, soberbias y resentimientos.

Álex de la Iglesia ha renunciado.

2011-01-25T05:50:00.000-08:00

A pesar de los esfuerzos que el director de la Academia del cine, Álex de la Iglesia, ha venido mostrando por llegar a una salida consensuada con relación a la "Ley Sinde", el pacto entre PSOE y PP (en una inusual muestra de hermandad política) ha resquebrajado todo.

"Lo mejor hubiera sido empezar de cero. Es una ley muy impopular. Enfrentar a creadores con la Red es el mayor de los errores. Llevo meses intentando conseguir un consenso entre todos y no hemos sido escuchados por los políticos. Esta ley no es la solución", señaló el cineasta.

Es una renuncia consecuente y un acto que deja clara la autoridad moral del director.

Habrá que agradecerle de este despelote a la ministra González-Sinde.

Y a los políticos.

Y a Alejandro Sanz.

Más información aquí y en esta página llena de información, razonamientos y aclaraciones sobre el tema.

Películas del 2010, según Frodon.

2011-01-23T03:47:00.000-08:00

Ya he mencionado a Jean-Michel Frodon, el ex director de Cahiers du Cinéma, en un post anterior. Esta vez lo vuelvo a citar, copiando fragmentos de un artículo publicado en Cahiers-España.

Lo hago porque se trata de las películas que, para él, sobresalieron durante el 2010. Me interesó la lista (hay títulos que me interesa investigar) y también me interesó que en el contexto latinoamericano solamente mencione a Octubre, la película peruana de Daniel y Diego Vega.

. . .

"En 2010, Uncle Boonmee... recibió la Palma de Oro en Cannes y esto es una feliz noticia: para el cine, para Apichatpong, para un gran festival.

"En 2010, he visto buenas películas. Muchas. Pocas de Hollywood, pero aún así apasionantes, como Inception, de Nolan, y The social Network, de Fincher. Y de New York han llegado mini-ovnis estimulantes, Lenny and the Kids, de los hermanos Safdie, y Foreign Parts, de Verena Paravel y J.P. Sniadecki.

"De Asia, el año viene marcado por The Ditch, de Wang Bing, película de una potencia y de un rigor que impresionan...

"Pero 2010 también ha sido el año de Outrage (Kitano), de I wish I knew (Jia Zhiang-ke), de Lola (Brillante Mendoza), de Ha Ha Ha (Hong Sang-soo) y del descubrimiento de nuevos cineastas de Taiwán (Chuang Mong-hong: Fourth Portrait), de China (Li Hong-qi: Winter Vacation), de Japón (Teysuya Mariko: Yellow Kid), de Irán (Vahid Vakalifar: Gesher) y de Palestina (Raed Andoni: Fix me).

"De festival en festival, también hemos visto afirmarse la vitalidad latinoamericana, incluso si, además de Octubre, de los peruanos Daniel y Diego Vega, resulta difícil distinguir un título en particular.

"Al contrario que en África, de cuyo desierto emergen las bellas Un homme qui crie, del chadiano Mahmat Saleh Haroun, La Chine est encore loin, del argelino Malek Bensmai, o Un transport en commun, de la senegalesa Diana Gaye.

"Para terminar he dejado la más inclasificable y la más inteligente, la respuesta artística y política a los vértigos de lo virtual y de lo falso, de la ´babelización´de los seres, de las palabras y de los sentimientos: Copia certificada, de Abbas Kiarostami. Feliz año."

(JM Frodon, Cahiers Enero 2011)

Xavier Beauvois: "Ahora tenemos montadores que nunca han tocado una película."

2011-01-20T04:48:00.000-08:00

Gran noticia: Se ha estrenado "De dioses y hombres" de Xavier Beauvois (Nord, Le petit Lieutenant). Hay que ir a verla.

Mientras, en el último número de Cahiers-España hacen un especial sobre él y el cine francés contemporáneo. Recojo algunas ideas de una entrevista amplia y valiosa realizada por Jean-Philippe Tessé.

. . .

Sobre el montaje.

"Uno debe protegerse de la película, verla lo menos posible, tomar distancia, hacer pausas. Mantenerse fresco. Fui dos veces a las mezclas del film. Tenía el oído fresco, podía escucharlo todo, iba rápido, sabía exactamente qué había que hacer. Cuanto más te alejas de la película, más cerca estás de ella. Hace falta olvidar. Para la imagen, el montaje, el sonido, todo."

Sobre la cámara que usó y los objetivos (Aaton modelo Penélope, 35mm).

"Es un aparato maravilloso, apenas pesa más que una cámara de 16mm. Al hombro es muy estable, y muy manejable en un coche o un helicóptero. Y no hay nada más que dos cables. ¡Si vieras la masa de cables que arrastran las cámaras digitales!"

"En muchas cámaras hay zooms, incluso cuando no se aplican. Lo que es yo, nunca uso el zoom, lo encuentro vulgar. Si necesito acercarme, corto. O hago un travelling. Cuando se utiliza un zoom sin aplicarlo como tal, se tienen todos los objetivos en uno, lo que permite inventar focales al milímetro y rodar con un 45, con un 53, etc. Caroline Champetier (DOP) y yo estamos convencidos de que los focales puros se notan. Cuando rodamos con un 40mm, son realmente 40mm, no 39 ó 41. Se coge el 40mm o el 50mm y se mantiene."

Sobre lo digital.

"Cuando pienso que en la Fémis han vendido todas las mesas de montaje de celuloide... Ahora tenemos una generación de montadores que nunca ha tocado una película."

Sobre la verosimilitud.

"Veo muchos documentales en la tele, me encanta. Ser realista es una cuestión de respeto hacia el público. Cuento una historia y al mismo tiempo ofrezco un documental, muestro una realidad. Mejor que en la tele: no hay necesidad de borrar los rostros. Me gusta mucho hablar con consejeros, aprender. No considero que eso sea un trabajo. Es una cuestión de honestidad y es también un placer convertirse en especialista sobre un tema, ya que, si he decidido hacer una película sobre él, me interesa realmente. Cuando veo una película en la que un poli lleva el brazalete en el brazo equivocado, no me lo creo, dejo de atender. Un militar que vea En tierra hostil (Bigelow, 2008) se parte de risa."

HD versus Celuloide

2011-01-19T02:17:00.000-08:00

Hace unos meses trabajé en el rodaje de un largometraje ruso. Compartí unos apuntes con el blog "La cinefilia no es patriota". Rescato un pequeño extracto sobre un tema que acabo de discutir con unos amigos.

Segunda inquietud: El dilema “HD vs. Celuloide”

En la última década nos hemos quedado estancados en dilemas casi eternos como los límites entre la ficción y el documental o si el futuro del cine está en el digital.

Sobre este último asunto, no creo que el digital es la llave para entrar en un Reino sagrado como muchos desean ver. Mucho menos creo que el celuloide esté en vías de extinción. Es una rivalidad que no debería ser tal, pues el espíritu, el concepto, el corazón de una obra debe estar ligado a su formato. Uno debe poder elegir, según la naturaleza de su proyecto, si le conviene rodar en 35mm o grabar en VHS.

Dado que para muchos esa elección es una fantasía, aparecen cuestionamientos de uno u otro bando. En este punto, a niveles prácticos, cada formato tiene su ventaja y desventaja, y no hay necesidad de denigrar uno ni alabar a otro. En nuestro caso, hablaré de la experiencia en este rodaje.

Usamos la cámara que, según el técnico ruso que la trajo, es la mejor del mundo digital existente en el mercado, por encima de la Red One y otras afines. Se trata de la Silicon Imaging SI-2K.

La calidad que arroja la cámara -gracias también, naturalmente, al equipo de ópticas que completó el team- es impresionante. Sin embargo, debo aquí hablar sobre cuestiones que siempre aparecen cuando se habla de este debate digital-celuloide.

¿El digital abarata los costos? Sí y no. Sí en cuestión de cantidad de película y laboratorios de post -que no es poca cosa-. Además, tiene un punto a favor muy mencionado: la posibilidad de ver en el resultado de lo grabado de inmediato.

Sin embargo, estas ventajas -mal manejadas- llevan en sí mismas un peligro que pone en riesgo muchos aspectos del rodaje.

Para empezar, uno puede sucumbir ante varios asuntos: Es muy fácil caer en la tentación de repetir las tomas 10, 12 veces. Es muy fácil ceder a los pedidos de todo el equipo de probar otra cosa, otra posición de cámara, otro registro de voz, otra locura. Es muy fácil, con el digital, perder el control sobre el tiempo. Se gasta tiempo extra. Y tiempo extra es dinero. A veces mucho dinero.

Pero no solamente es un gasto económico: el retraso también afecta el ambiente. O terminas agotado anímicamente, o no terminas por entregarte totalmente. Es lógico: como siempre se pueden repetir las tomas, lo “místico” se desvanece.

No digo que el equipo no haya estado concentrado en las tomas. Claro que actores y técnicos lo están, pero esa concentración se potenciaría si de antemano supiéramos que no se harán 8 tomas, sino 3, por ejemplo.

Ni los defensores del celuloide deben marginar el vídeo, ni los creyentes en un nuevo cine digital deberían subestimar la belleza del celuloide. Creo que con menos dinero de lo que se cree, un joven realizador puede probar camino en ambos formatos y así sacar su propia conclusión.

Notas de rodaje 1.

Notas de rodaje 2.

Notas de rodaje 3.

Notas de rodaje 4.

"LA CALMA": Selección Oficial Berlinale 2011

2011-01-17T04:58:00.000-08:00

Ya salió la selección oficial de cortometrajes para la 61 Berlinale: Berlinale Shorts 2011.

Dentro de los seleccionados está "La calma", cortometraje que terminé hace unos meses. La nota de prensa lo anuncia así:

How does life feel after having been buried alive in an earthquake? La calma by Fernando Vilchez from Peru approaches this experience in an essayistic work.

Es difícil explicar las emociones de esta selección. Lo único que se me ocurre decir es que se trata de un logro que jamás ninguna de las cinco personas involucradas en este corto soñó alcanzar.

Porque es un corto hecho entre amigos, en tiempo libre, con una camarita miniDV... Y ahora vamos a competir contra el último trabajo de Spike Jonze, contra el corto grabado en I-Phone por Park Chan-Wook y contra otros trabajos seguramente excepcionales.

¿Cómo llegamos ahí? Vaya usted a saber... Pero ahora estaremos representando a Perú en el Festival y eso nos llena de una emoción especial. Mayor premio que ese no hay.

Además, por Latinoamérica hay otro cortometraje en la Selección: "La ducha", de María José San Martín. Felicidades a ella también.

Iré comentando novedades sobre el evento y la selección por la página del cortometraje en Facebook. Ya pueden ver el poster oficial ahí.

La selección completa de Berlinale Shorts 2011 es:

15 iulie, Cristi Iftime, Romania, 12’ (WP)

Apele Tac, Anca Miruna Lăzărescu, Germany/Romania, 31’ (WP)

Ashley/Amber, Rebecca R. Rojer, USA, 22’ (WP)

Återfödelsen, Hugo Lilja, Sweden, 28’ (IP)

Back by 6, Peter Connelly, Belgium, 28’ (WP)

Cleaning up the Studio, Christian Jankowski, Republic of Korea, 10’ (IP)

Erdö, György Mór Kárpáti, Hungary, 12’ (WP)

Fragen an meinen Vater, Konrad Mühe, Germany, 11’ (WP)

Green Crayons, Kazik Radwanski, Canada, 10’ (IP)

Heavy Heads, Helena Frank, Denmark, 8’ (WP)

La Calma, Fernando Vílchez Rodríguez, Peru, 20’ (WP)

La Ducha, Maria Jose San Martin, Chile, 10’ (IP)

PARANMANJANG, PARKing CHANce (PARK Chan-wook, PARK Chan-kyong), Park Chan-wook, Park Chan-kyong, Republic of Korea, 33’ (IP)

Pera Berbangê, Arin Inan Arslan, Turkey, 15’ (WP)

Planet Z, Momoko Seto, France, 10’ (WP)

Pu-Seo-Jin Bam, Yang Hyo-joo, Republic of Korea, 23’ (IP)

Rao Yi Sheng, Alexej Tchernyi, Wu Zhi, Germany, 7’ (WP)

Scenes From The Suburbs, Spike Jonze, USA, 28’ (WP)

Sju dagar i skogen, Peter Larsson, Sweden, 6’ (IP)

Stick Climbing, Daniel Zimmermann, Austria/Switzerland, 14’ (IP)

Sudsanan, Pimpaka Towira, Thailand, 30’ (IP)

Susya, Dani Rosenberg, Yoav Gross, Israel/Palestinian Territories, 15’ (WP)

Świteź, Kamil Polak, Poland, 21’ (WP)

Tomorrow Everything Will Be Alright, Akram Zaatari, Lebanon/Great Britain, 7’ (IP)

Woman Waiting, Antoine Bourges, Canada, 15’ (IP)

Por mientras, lo tomaremos con calma.

Unas películas bien "hechas".

2011-01-15T04:26:00.000-08:00

“No me interesa en absoluto el papel de director de cine tal y como está concebido industrialmente. La mayoría tienen chóferes que los llevan al rodaje, enlazan a una actriz guapa como protagonista con la otra, tienen asistentes... El resultado son unas películas bien “hechas”, con imágenes muy bellas y acabados perfectos, que a mí por lo general no me interesan nada. Para empezar, prefiero trabajar con actores no profesionales que se interpretan a sí mismos. Personas que quieren ser filmadas, que se prestan al juego sin dobleces."

Pedro Costa.

¿Tu escena favorita?

2011-01-14T07:34:00.000-08:00

¿Cuál es la escena del cine francés que más recuerdas? ¿Por qué te gusta?

Responde esas preguntas en los comentarios. Si lo haces de manera completa y sincera, tendrás la oportunidad de ver gratis una de las películas de My French Film Festival, el festival de cine francés online.

Como saben, este blog es uno de los jurados del concurso y para nuestros lectores tenemos códigos para acceder a las películas de manera gratuita.

Responde a las preguntas y deja tu e-mail, mañana durante la mañana escribiré a los ganadores.

Y si quieres recordar qué películas están en competencia, haz click aquí.

* Esto se aplica a los lectores de Europa. Los de América Latina podrán ver las películas online de manera gratuita.

2010: El agua móvil.

2011-01-13T01:55:00.000-08:00

Al terminar el último Festival de Cannes, Jean-Michel Frodon escribía que, a pesar del triunfo de Apichatpong, el 2010 iba a ser recordado por ser el año de Carlos, la película de Olivier Assayas:

"esta historia jadeante que transcurre a través de casi veinte años en una quincena de países, mentiene de manera permanente una extraordinaria claridad... Consigue ofrecer un extraño gran film de acción realizado en Europa después de... eh... mucho tiempo."

Carlos es, sin duda, una película espectacular, mundial. La emoción que tuve al verla fue semejante (aunque por distintos motivos) a la que me invadió cuando vi Historias Extraordinarias, de Mariano Llinás, hace un par de años. Son pocas las veces en que el lenguaje cinematográfico se propone abarcar el género humano en toda su complejidad como punto de partida y llegada. Y más pocas las veces que lo logra.

Sin embargo, el 2010 fue el año de Apichatpong Weeresethakul.

Han pasado algunos años desde que me encontré con Blissfully yours, la delicada película del tailandés que de inmediato Z copió en un DVD y la llevó a unas galerías semi clandestinas para su distribución (Polvos Azules, se llama el lugar, templo sagrado de la piratería más exquisita) mientras yo la repartía entre profesores y críticos que luego se harían especialistas y defensores del cineasta.

El 2010, Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives ganó la Palma de Oro... y está bien. Dios vio que era bueno (Boyero, no tanto), pero sí estoy seguro que ese triunfo en Cannes fue un premio más por su filmografía que por esta última película.

Uncle Boonmee... tiene escenas bellísimas y poderosas, como aquella donde la princesa se encuentra con el pez gato tras un desencuentro con su siervo: En pocos minutos se desarrolla el misterio de la pasión en esa pequeña laguna: inseguridad, desengaño, cortejo, deseo, vacío. O como la escena en que se juntan todos a cenar, vivos y muertos. O esa donde todos van de exploración al corazón de las cavernas.

Estoy seguro que si Dante hubiera sido personaje de Apichatpong, lo veríamos descender a los infiernos quieto, curioso y en silencio, rascándose la espalda, reflexionando en mutismo para luego romper el ambiente con un abrazo doloroso e íntimo.

Bellísima película Uncle Boonmee... pero la sencillez de Blissfully Yours aún está presente en mí, después de muchos años, y es lo que me lleva a asegurar (o así prefiero pensar) que el reconocimiento en Cannes fue por esa pequeña gran filmografía que Api tiene a sus 41 años.

Este 2010 fue el año donde menos películas he visto, donde casi no he pisado el cine, donde no me ha interesado descargar nada de internet. En contraparte, he disfrutado cada asistencia a las salas, cada proyección en el salón de mi casa, cada agazapo en la pantalla de mi laptop.

Y así he entrado al cine también, agazapado, por accidente, sin planificarlo. Y me encontré con esa fabulosa película que es Canino, de Yorgos Lanthimos, punzante, agresiva, aguda (lo mejor que vi este año en las salas). Y me divertí como cerdo viendo Inception, de Cristopher Nolan (apenas salí del cine, me olvidé rápidamente del film, pero da igual). Entré con miedo a ver Exit through the gift shop, de Banksy. Salí encantado, divertido y, sobre todo, con ganas de discutir el tema. Hace tiempo que no me pasaba eso con un documental: salir a discutirlo.

Recordaré Baarìa (Tornatore) porque fue la oportunidad de conocer en persona a Ángela Molina, de darle un beso enorme y decirle lo mucho que siempre la he apreciado. Recordaré Avatar (Cameron) por las gafas 3D tan Terminator que nos dieron a la entrada del cine. Y siempre recordaré Shutter Island (Scorsese) por la cantidad de fallos de raccord que encontramos L y yo en los primeros 10 minutos de la película. Ya luego no dijimos nada, y estuvo bien.

Me alegró el regreso de Kiarostami, pero más el de Polanski con esa imperdible película que es El escritor. Y prefiero al tipo soltero (Un hombre soltero, Ford) que al tipo serio (Un tipo serio, los Coen). The social network está bastante bien, pero la poesía urbana de Fish Tank supera todo.

Donde sí hay un empate es en los dos pósters/carteles que me enamoraron en la puerta del cine: el de Copia Certificada (Kiarostami) y el de An Education (Scherfig).

Recordaré el 2010 como el año en que vi más gente haciendo cola en un museo que en un cine, para ver una película. La extensa cola para ver Uncle Boonmee... (Museo Reina Sofía) fue delirante. El circuito cultural en Madrid, evidentemente, no tiene punto de comparación al de cualquier capital sudamericana.

Y no lo digo con despecho (ni menos con orgullo). Simplemente es así. Por eso una tarde cualquiera entras a la Filmoteca a ver el díptico de José Luis Guerín En la ciudad de Sylvie y Unas fotos en la ciudad de Sylvie y descubres que está el buen Guerín presentando las películas e incluso luego se queda una hora más respondiendo dudas del público. Sin quitarse la boina, claro.

Las asiáticas del año: The man with no name (Wang Bing), Ciudad de vida y muerte (Lu Chuan) y Poetry (Lee Chang-Dong).

Además, el 2010 ha sido el año donde la prensa española ha calificado como "la película más asquerosa de la historia" a dos películas distintas, en dos momentos distintos: The human centipede (Tom Six) y A serbian Film (Srdjan Spasojevic). Incluso censuraron la segunda, como ya habían censurado antes Saw VI. Naturalmente, esto le hizo una promoción enorme al film y todos aquí -me incluyo- la descargamos y vimos que no era para tanto, por favor.

Hice siete cortometrajes durante el 2010. Unos de producción minúscula, con la camarita más pequeña que encontré. Otros con equipos de veinte personas o más, con actores profesionales y en 16mm. Sonará cliché, pero de todas las personas que se cruzaron en mi camino aprendí algo (casi siempre, mucho). El cine no es una actividad solitaria. Incluso, es más dependiente de los otros cuando menos gente participa.

Ha sido el año en que mi mejor amigo de Perú se adentró en la selva, cumpliendo una extraña aventura herzogiana, y grabó el momento exacto en que la lluvia irrumpía ese universo verdoso y virgen, implacablemente. Eso y más me contaba él a su regreso, por msn, muy emocionado.

Ha sido el año en que mi mejor amigo de España olvidó su manía por planificar cualquier grabación y (sorprendiéndonos a todos) escribió, produjo y grabó un cortometraje, todo en 42 horas. El resultado: su corto ha recibido casi 18 mil visitas en youtube. Desde entonces, él viene planificando su siguiente corto.

Ha sido el año en que participé en mi primer rodaje de largometraje, con unos rusos, en una isla de habla catalán, y sin traductor para ni uno ni otro bando. Aún así, todo salió mejor de lo esperado y las enseñanzas fueron incalculables. La compañía de las rusas fue, además, una revelación para mí. Casi todas odiaban a Tarkovsky, pero eso ya no importa mucho: Ahora tengo casa para el mundial de Rusia 2018.

El 2010 terminó con buenas noticias: Tuve ánimos y fortaleza para reactivar este blog (abandonado por casi año y miedo) y al poco tiempo me convocaron como jurado de un festival de cine francés. ¡Ojalá pasara eso siempre!

Y, finalmente, en la última semana, recibí una carta que me invitaba como Talent Campus a la Berlinale 2011. Creo que pocas veces he tenido un fin de año tan agradable.

Y eso que a inicios del 2010 no me hice el baño de flores...

Ahora, sin embargo, lo del Talent Campus ya ha sido "descartado", en parte. Es decir, seguiré teniendo acceso a las charlas y a las clases que darán en el campus... pero oficialmente ya no soy un "Talent". Suena a mala noticia, pero es todo lo contrario. ¿El motivo? Se sabrá en unos días.

En el 2010 pasé el verano en un pueblecito de Italia y ahí empecé a planear mi primera película. Una parte quiero hacerla en aquel pueblo. Tengo muchos planes para ello... Ojalá que todo pueda salir.

Es por ello que este año tampoco me he hecho el baño de flores.

Fernando Vílchez Rodríguez

My French Film Festival 2011: Selección oficial (Largometrajes)

2011-01-07T03:05:00.000-08:00

Ya se puede ingresar a la web del primer festival online de cine francés. Acabo de recibir la noticia y aún ando revisando la página.

Hay veinte películas en competencia, diez largometrajes y diez cortometrajes. Hay un pago para ver cada película (2 euros por película, 1 euro por corto) y una especie de "oferta" o combo por el paquete completo. Las películas estarán disponibles del 14 al 29 de Enero.

De todas maneras, también habrán proyecciones sorpresas online y creo que esa será una interesante noticia para comunicar a los visitantes de este blog.

Ya saben que esta página forma parte del Jurado de Bloggers (junto a webs como Mubi, Awards Daily o Cinencuentro, entre otras) así que si alguien logra contemplar una o más películas, me gustaría mucho saber las opiniones.

Las diez películas de la Selección Oficial son:

1. Adieu Gary, de Nassim Amaouche (Trailer aquí - no se puede insertar).

2. Bus Palladium, de Christopher Thompson.

3. Complices, de Frédéric Mermoud.

4. Espions, de Nicolas Saada.

5. La Famille Wolberg, de Axelle Ropert.

6. L´Autre, de Patrick Mario Bernard y Pierre Trividic.

7. Le Bal des actrices, de Maïwenn (Trailer aquí)

8. Qu´un seul tienne et les autres suivront, de Léa Fehner.

9. Tête de Turc, de Pascal Elbé.

10. Tout ce qui brille, de Géraldine Nakache.

Varias de estas películas han pasado antes por Cannes, Venecia y otros festivales (con premios importantes, incluso). Será un buen momento para ver si es cierto que no todas las películas francesas son iguales.

Rohmer sin Rohmer.

2011-01-04T23:44:00.000-08:00

Estoy seguro que las imágenes que vemos del minuto 2.36 al 3.01podrían haber aparecido en una gran película de Rohmer.

Para empezar bien el año.

Más novedades para el 2011: "My french film festival"

2010-12-27T03:56:00.000-08:00

En el post anterior les comentaba que había sido seleccionado para el Talent Campus de la Berlinale 2011 y, gracias a ello, podré informarles en detalle de lo que ocurra en ese festival.

También debo ahora darles una grata noticia. En enero 2011 será el Primer Festival de Cine Francés Online ("myfrenchfilmfestival"), festival auspiciado por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia y por distintas instituciones culturales y empresariales de dicho país.

El Festival ha tenido la simpática idea de crear, además de los jurados tradicionales, un jurado de bloggers de todo el mundo y "El agua inmóvil" ha sido uno de los blogs seleccionados para dicho honor. Así que seré jurado del mencionado festival.

Aquí pueden ver el tráiler del evento y ya les iré pasando más datos porque algunos de ustedes podrán ver las películas en competencia online y quizás ayudarme a elegir a las mejores obras.

Una feliz Navidad: Berlinale 2011

2010-12-24T03:14:00.000-08:00

Esta es una navidad distinta, porque acabo de recibir una noticia que me ha causado una alegría extraña: He sido seleccionado en el Talent Campus de la Berlinale 2011.

Alegría, porque siempre estar en un festival de prestigio donde has sido seleccionado sin mayor razón que tu pequeña obra es un reconocimiento que nunca te esperas que llegue.

Y extraña por enterarme casi al mismo tiempo de la condena a Jafar Panahi, el director iraní responsable de "El globo blanco" o "El círculo", uno de los primeros cineastas que me cautivaron cuando me volví "cinéfilo". Y me entero porque en las noticias de la Berlinale aparecía Panahi como posible jurado en el 2011 y ya tenía muchas ganas de escuchar sus palabras en alguna de las conferencias que los más reconocidos asistentes otorgan.

Es una lástima que se condene a una persona por su arte. Voy a terminar cambiando el título de este post, creo.

Volviendo a la buena noticia, agradezco públicamente a amigos, profesores y colaboradores que han estado cerca de mí en estos primeros pasos. A menudo he pensado en el cine como una obra realizada en conjunto, donde la mirada de uno no significaría nada sin la participación de colaboradores valiosos. Les escribiré personalmente, me disculparán el atrevimiento. Creo que esta feliz noticia es gracias a ustedes.

Y a los cuatro lectores de este blog, alégrense: les iré ofreciendo información exclusiva desde la Berlinale 2011, a partir de febrero.

Feliz navidad.

¡PERE PORTABELLA RULES!

2010-12-16T02:12:00.000-08:00

Anoche tuve la fortuna de asistir al Círculo de Bellas Artes a escuchar a Pere Portabella, un cineasta a quien hace ya algún tiempo le he otorgado mi admiración.

Y, como si fuera posible, esa mezcla de respeto y encanto se ha visto aumentada tras la charla que el cineasta tuvo con Rubén Hernández, como parte de la muestra "Los límites del cine".

Las ideas que Portabella iba soltando sobre el cine, sobre el lenguaje cinematográfico, sobre la producción de cine, sobre las escuelas de cine -y, en fin, sobre cada tema conversado-, comprueban que él no solamente está a la vanguardia en su oficio, sino también en las ideas sobre este oficio.

Por ejemplo, no muchas personas metidas en el mundo del cine reconocerán que los packs de DVD´s ya son asunto caduco frente a la ventaja de tener un disco duro donde puedas tener 100 películas en alta definición.

En las siguientes horas haré un resumen rápido de la charla y la subiré para compartirla con ustedes.

ESTA SEMANA: Godard, Portabella, Costa, Chang-Dong, Woody Allen...

2010-12-13T03:36:00.000-08:00

Gran semana para los cinéfilos, así que presento rápido la info:

1. - Este Martes 14 de Diciembre será el Pre Estreno de Film Socialisme, la última ¿película? ¿ensayo? ¿partitura? del octogenario y siempre vigente Jean-Luc Godard. La proyección será en francés con subtítulos al español y la entrada es gratuita. El lugar, naturalmente, aquí. Veré si puedo estar con la camarita para hablar con algunos espectadores godardianos.

2. - Dentro de la Muestra "Los límites del cine" llegan dos charlas que no hay que perderse de ninguna manera:

* 15 de Diciembre, en el Círculo de Bellas Artes, encuentro entre Pere Portabella y Rubén Hernández. Hora 19.30, en la Sala Gómez de la Serna.

* 17 de Diciembre, en el Museo Reina Sofía, encuentro entre Pedro Costa y Jacques Rancière. Hora 19.30, en el Auditorio Sabatini.

3. - Ya está en carteleras Poetry, de Lee Chang-Dong, una película que merece estar luchando un puesto en el top ten del año.

4. - Continúa el ciclo dedicado a Woody Allen en la Filmoteca de Madrid. La semana pasada los nostálgicos vieron Manhattan y Annie Hall en pantalla grande y en inglés, como debe ser.

Nos vemos en cualquiera de estas salas.

VAN DER KEUKEN

2010-12-11T04:04:00.001-08:00

“El cine no se convirtió en mi medio de expresión, hasta el momento en el que quité la cámara del trípode y me propuse filmar a la altura de los ojos, a pulso”

–Johan Van der Keuken–

LA VIDA LOCA, de Christian Poveda - Presentación en Madrid.

2010-12-06T08:10:00.001-08:00

Hace un par de semanas se proyectó en el auditorio del Instituto Francés de Madrid el documental de Christian Poveda, La vida loca. Resultó una obra con momentos llenos de dureza, impactante para la mayoría de asistentes.

Ya había comentado anteriormente que Poveda había sido asesinado tras terminar el documental, en El Salvador. Fue ahí donde grabó su obra, fue ahí donde volvió a hacer unos pases privados para miembros de "las maras" y para la policía, y fue ahí donde lo mataron.

¿Cómo ocurrió? ¿Quiénes lo asesinaron? ¿Los pandilleros? ¿La policía?

Esta es una pregunta que, a más de un año del crimen, sigue sin responder. Las teorías siguen siendo diversas y el público se sigue mostrando extrañado por el tema, como se vio tras la proyección de La vida loca.

Aquí comparto un vídeo de ese evento, que contó con la presencia de los productores del documental, Carole Solive y Luis Ángel Bellalba, de la hermana de Christian y del crítico de cine Javier Tolentino.

Para quien desee más información sobre lo ocurrido, aquí está el artículo que sacó El País tras la muerte del director Poveda, y esta es una buena crónica de la revista Gatopardo.

La versión oficial indica que han sido los propios pandilleros de "la mara 18", aquellos a quienes Poveda estuvo registrando durante dos años, quienes tras ver el documental le dieron muerte.

Sin embargo, el grupo "Amis de Poveda" considera esto absolutamente irreal e ilógico, apuntando a la policía como la verdadera responsable de la desaparición del realizador:

"Christian molestaba, su trabajo de periodista ponía ruidosamente en tela de juicio la policía, la justicia, hombres políticos y detrás de todo esto los verdaderos beneficiarios de las ganancias (narco-tráfico, comercio y tráfico de armas, sociedades privadas de seguridad) que generan y utilizan la violenta delincuencia de estas maras."

(Todo esto lo he tomado de un e-mail que recibí y que cualquiera puede pedir al correo amisdepoveda@gmail.com, pues tienen mucha información adjunta que aquí se haría extensa.)

Creo que la capacidad de remover los cimientos de nuestra "realidad" es una arista valiosa del documental. Christian Poveda lo hizo con su obra y lo sigue haciendo con su muerte. Este documental, que ha estado en San Sebastián, Biarritz y muchos otros festivales, es el documento de un problema que no tiene pronta solución pero que merece ser observado y no ser obviado, como decenas de asuntos graves en el mundo.

La mayor prueba es que no se suele asesinar a las personas que hacen documentales.

ELIGE LOS MEJORES ESTRENOS DEL 2010

2010-12-04T04:45:00.000-08:00

Ahora que ha llegado a mis manos la última edición de Cahiers - España (Diciembre 2010), buscaré lo más interesante para comentarlo aquí. De momento veo un especial a Berlanga, a Godard (80 años cumplidos ayer), más páginas dedicadas a Api, y un Especial DVD de 22 páginas.

Además, a los lectores afanosos, se pide que envíen su lista de las 10 mejores películas del año a cahiersducinema@caimanediciones.es hasta el 15 de Diciembre.

Para esos entusiastas, abajo les dejo un resumen de las películas que -creo- pueden disputar un lugar en dicha lista. Es una lista sin orden de preferencia.

Ah, y también menciono unos títulos que no soporté, pero que a otros fascinaron. Si saben de más películas que merecen ser recordadas, avisen.

¿Mi lista? En los próximos días. Ahora solamente diré que si Canino no está entre las diez mejores del año, empezaré a comprar Fotogramas (#hedicho).

Canino, de Yorgos Lanthimos

¿CUÁLES SON LAS MEJORES PELÍCULAS DEL 2010?

Shutter Island (Martin Scorsese)

Fantástico Sr. Fox (Wes Anderson)

Alicia en el País de las Maravillas (Tim Burton)

Two Lovers (James Gray)

The Girlfriend Experience (Steven Soderbergh)

La doctrina del shock (Michael Winterbottom)

Copia certificada (Abbas Kiarostami)

Film Socialisme (Jean-Luc Godard)

Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas (Apichatpong Weerasethakul)

La cinta blanca (Michael Haneke)

Avatar (James Cameron)

The Hurt Locker (Kathryn Bigelow)

Un tipo serio (Joel y Ethan Coen)

An Education (Lone Scherfig)

La carretera (John Hillcoat)

Un hombre soltero (Tom Ford)

Nine (Rob Marshall)

El padrastro (Nelson McCormick)

Precious (Lee Daniels)

El solista (Joe Wright)

The Lovely Bones (Peter Jackson)

Up in the Air (Jason Reitman)

Ciudad de vida y muerte (Lu Chuan)

Corazón rebelde (Scott Cooper)

Lourdes (Jessica Hausner)

Green Zone. Distrito protegido (Paul Greengrass)

Soul Kitchen (Fatih Akin)

El escritor (Roman Polanski)

Fish Tank (Andrea Arnold)

La nana (Sebastián Silva)

Nadie sabe nada de gatos persas (Bahman Gohbadi)

Tulpan (Sergey Dvortsevoy)

El último verano de la Boyita (Julia Solomonoff)

Canino (Yorgos Lanthimos)

El silencio de Lorna (Luc y Jean-Pierre Dardenne)

Vincere (Marco Bellocchio)

Ne change rien (Pedro Costa)

Air Doll (Hirokazu Kore-eda)

Entre nosotros (Maren Ade)

A propósito de Elly (Asghar Farhadi)

Baarìa (Giuseppe Tornatore)

Finisterrae (Sergio Caballero)

Kick-Ass. Listo para machacar (Matthew Vaughn)

Mamut (Lukas Moodysson)

Toy Story 3 (Lee Unkrich)

Inception (Cristopher Nolan)

Life During Wartime (Todd Solondz)

Ella, una joven china (Xialou Gou)

Mr. Nobody (Jaco Van Dormael)

Bright Star (Jane Campion)

La red social (David Fincher)

Exit Through the Gift Shop (Bansky)

The Town. Ciudad de ladrones. (Ben Affleck)

Chloe (Atom Egoyan)

Poetry (Lee Chang-dong)

Lástima, Robin Hood no está. Sufre, fan de Ridley Scott.

PATTI SMITH LE CANTA A ROBERTO BOLAÑO

2010-12-02T06:28:00.000-08:00

Vamos a ver. ¿Qué tiene que ver Patti Smith con Roberto Bolaño? Pues ni idea. Solamente sé que los dos me gustan y que los dos estuvieron ´presentes´, de cierta forma, en Casa de América, Madrid.

¿Y qué tienen que ver ellos con este blog? Tampoco tengo respuesta. Quizás pueda mencionar que, entre cada canción, Patricia Lee Smith leía sus versos. Uno para Bolaño y otro -oh, caray- para Tarkovski.

En todo caso, esta es la inauguración de un momento que yo estaba esperando: subir eventos, charlas, críticas, divagaciones y demás asuntos relevantes, siempre grabados en vídeo. Esto de escribir a veces agota.

Novedades la próxima semana.

2010-11-26T08:07:00.000-08:00

Esta semana ha sido de días libres, pero la próxima semana regreso con algunas sorpresas que he armado en unos ratos libres: críticas, charlas en vídeo sobre películas y otros detalles más (¡hasta concursos, oh God!).

Estrenaron Uncle Boonmee... ¿Ya la viste? ¿Qué te pareció?

Nos vemos el lunes.

"LOS LÍMITES DEL CINE", IMPRESCINDIBLE CICLO EN MADRID

2010-11-19T00:36:00.000-08:00

Entrevista a Pedro Costa

Ok, yo pensaba que tenía mi agenda preparada hasta fin de año, hasta que me entero de Los límites del cine y todo se trastoca.

Los Límites del Cine (17 de Nov - 17 de Dic) es un obligado ciclo de cine que tiene dos objetivos fundamentales:

1. Promover las obras de artistas emergentes cuya divulgación sea complicada;

y, mucho más interesante,

2. Crear debates acerca de la naturaleza misma de cada obra, cuestionar la producción concreta del artista, más allá del formato o la categoría en la que se suelen encasillar las obras (documental, videoarte, cine latinoamericano, etc.) "con el fin de abordar las obras desde líneas conceptuales radicalmente diferentes, abiertas y verdaderamente productivas, por encima del soporte y modo de producción que las ampara. A fin de cuentas, romper fronteras, debilitarlas para así crear un verdadero diálogo e intercambio de ideas." (Párrafos tomados de su programación.)

¿Por qué me parece importante esta manera de hacer un ciclo? Porque promueve un diálogo interdisciplinario que el cine necesita urgentemente. Usualmente los Festivales de cine invitan a un cineasta a hablar de su película, ese cineasta repite lo que suele decir en otros lados, responde las eternas preguntas del público y se terminó. El cine se regodea con el cine y pocos miran más allá de sus referentes cinematográficos.

En Los Límites del Cine se intentará enfrentar al cine con otras áreas, y por ellos no solamente tiene invitados de lujo como Pedro Costa o Pere Portabella, sino también artistas plásticos, filólogos, especialistas en Historia del Arte, sociólogos, videoartistas, etc. Es el tipo de encuentro cinéfilo que considero más importante por hacer.

Este ciclo tiene de comisarios a Rubén García López y Salomé Ramírez y, además de Costa y Portabella, tiene entre sus otros invitados están Jacques Rancière, Rubén Hernández, Santos Zunzunegui, Manuel Asín, Asier Aranzubía, El colectivo Los Hijos, María Ruido, Patricia Mayayo, Sergio Ojeda, Germán Cano, Alberto Chinchón, Yayo Azna, María Antonia de Castro, Eva Koch, José María Parreño, Marta Bernardes entre otros.

Las funciones son gratuitas y las sedes del ciclo son La asociación Cruce, el espacio Off Limits, el Círculo de Bellas Artes y el Museo Reina Sofía.

Cortos, películas de los cineastas ya mencionados, conversaciones explorando el cine desde otros ángulos, este es uno de esos ciclos que valen por diez. Nos vemos por ahí.

SE INICIA LA 20 SEMANA DEL CINE EXPERIMENTAL DE MADRID

2010-11-18T02:05:00.000-08:00

Intro de Las, de Piotr Dumala

Hoy, Jueves 18 de Noviembre (qué rápido ha pasado el año) empieza la Semana del Cine Experimental de Madrid, un evento necesario e imperdible dentro de la variada oferta cinéfila que hay en la ciudad. Obviamente las Secciones en Competencia son la de mayor interés y no necesitarán mayor apunte, por lo que mencionaré otras proyecciones que sí merecen más atención:

* La retrospectiva que se le hará al eslovaco Dušan Hanák, director de películas prohibidas, olvidadas, resucitadas y, finalmente, aplaudidas como Pictures of the Old World (Obrazy starého sveta, 1972) o I Love, You Love (Ja milujem, ty milujes, 1980). Sus obras se han visto tanto en las Bienales de arte como en una ceremonia del Oscar de la Academia. De mucho interés. Para más detalle, ver la programación.

* El largometraje Lucía, del chileno Niles Atallah, obra que viene apoyada por el Hubert Bals Fund (Festival de Rotterdam), por The Global Film Initiative (Estados Unidos), por Cine en Construcción (Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián y por los amigos de Rencontres Cinémas d’Amérique Latine de Toulouse. Coincidentemente, unos post más abajo puse un cortometraje donde Atallah participaba en su creación, corto del mismo título y que me parece de una factura formidable. La película se proyectará con la presencia de su director en el Cine Golem, el Viernes 19 de Noviembre a las 20h.

* El largometraje Las (El bosque, 2009), de Piotr Dumala, cinta polaca en blanco y negro en cuya reseña se lee lo siguiente: "El modo de contar sobre el padre y su hijo es naturalista y el modo de rodaje se acerca hacia un documental. La fotografía blanco y negra y la minimalización de los diálogos provoca que el imagen y los efectos sincrónicos llegan a ser la lengua principal del cuento. También es una alusión a los maestros de la época del cine mudo, tales como Dreyer y Murnau." A Dumala lo conocía por unos cortos de animación que están en internet, por lo que esta película me eleva la curiosidad. Proyección en el Golem, Miércoles 24 a las 20h.

Además, hay una retrospectiva a Takashi Shimizu (si quieres hacerte una maratón de The Grudge, este es el momento), un ciclo de Cine Maldito Español y muchas obras (obviamente) de corte experimental. La programación por fechas las puedes ver aquí. Hemos recibido la invitación para la Inauguración de hoy así que nos pasaremos con la camarita a ver qué hay.

NO ESTAMOS SOLOS.

2010-11-16T10:47:00.000-08:00

Seguramente deberíamos ir siempre al cine de la forma que proponía André Breton en Nadja.

Habría que entrar sin premeditación en el ámbito oscuro, con la película empezada, sin conocer de antemano el programa, arrastrados por el azar.

Habría que sentarse en la butaca, abandonarse a los sentidos sin prepararlos para la narración consensuada, sin dirigirlos por opiniones ni sinopsis, como quien entra y sale de un lago báltico en invierno.

Habría que dejarse llevar por las sensaciones, pues el cine es ante todo sensaciones.

Deberíamos sumergirnos en el proceso de identificación sin culpa, como pura catarsis, y llorar si así lo requiriera la autopurificación. Llorar tanto que no quedaran las lágrimas, sin pudor, sin vergüenza de mostrar públicamente lo privado: en el cine, como en el amor, uno siempre está a tientas y solo, aunque esté rodeado de gente.

Sería necesario subvertir la aparente esencia del cine donde hay principios y finales; ir al cine en busca de algo que no fuera la historia que se cuenta. Saber que en el cine, como en la vida, uno siempre acaba por identificarse consigo mismo, nunca con el personaje ni con la trama.

Y habría que salir de repente también, sin esperar a que acabara la película.

Deberíamos dejar nuestro asiento cuando la intensidad de las sensaciones doliera casi aún. Habría que levantarse y enfrentar la luz de la calle antes de que los títulos nos devolvieran a la realidad, decepcionados al comprobar que, incluso en el cine, toda historia tiene su final.

Sería preciso marcharse de allí, salir huyendo entre tinieblas antes del desenlace para mantener en el recuerdo, quién sabe si para siempre, esa suave sensación de las cosas que, si no llegaron a pasar en realidad, deberían haber sucedido.

Por eso detesto ir con otros al cine. Por eso aborrezco el ritual de las colas, los comentarios en la espera y las hojas de sinopsis con extractos de críticas; y la luz de la sala, siempre áspera, que impone el presente cuando se acaba el cine; y los comentarios intelectuales de los acompañantes; y las películas entretenidas, esas que hacen pasar un buen rato.

Por eso considero que escribir sobre cine es un esfuerzo inútil, porque lo importante, las sensaciones, las rememoraciones que despierta, se quedarán siempre desfallecidas en la penumbra...

Tal vez por eso me fastidia que muchos, al salir de la sala, se sientan en la obligación de decir algo inteligente sobre la película recomendada por algún conocido entendido en la materia.

Prefiero ir al cine como aquellos que intuyen lo inútil que resulta hablar de cine más allá de los puros tecnicismos o las asépticas sociología o psicología fílmicas, como los que no esperan que les cuenten una historia pues el cine, al fin, no cuenta nunca historias, aunque aparente contarlas. El buen cine al menos, no cuenta historias como pensaríamos que una historia debe ser contada.

Y así, un día cualquiera, tropezamos en la calle -por casualidad- con alguien que va deprisa porque llega tarde y, por pura inercia de la conversación, le acompañamos en su carrera y acabamos sentados en una sala oscura a la que decidimos entrar en el último momento, porque hace frío fuera o hace frío dentro. No sabemos qué vamos a ver.

Nos sentamos entre tinieblas con la película empezada y se deslizan ante nosotros imágenes perturbadoras por su belleza, en un principio incomprensibles, aunque capaces de alertar sensaciones con un peculiar sentido del tiempo y de la narración tan antifílmico en el fondo -antifílmico respecto a lo que nos han dicho que debe ser el cine.

Y, probablemente, nos inquietamos un poco en la butaca y no acabamos de entender, durante un buen rato, de qué trata la historia -tan acostumbrados nos tiene el cine a contarnos historias. Podemos llegar a lamentar no haber entrado un poco antes para seguir la narración desde el principio y de este modo comprenderla.

Luego, poco a poco, la historia se va haciendo transparente...

Entonces, frente a esas imágenes de alguien cuyo nombre aún desconocemos, pensamos: no estamos solos.

Estrella de Diego.

Extracto de "Volver a la nostalgia. Por qué atrapa el cine de Tarkovski".

Revista de Occidente.

FALLECE LUIS GARCÍA BERLANGA (1921-2010)

2010-11-13T04:21:00.000-08:00

Escena de El Verdugo, quizás la mejor película de Berlanga

El 2008 fue Rafael Azcona. Hoy ha fallecido su compañero, la otra mitad de ese celebrado dúo, el cineasta Luis García Berlanga, el mismo de El Verdugo, de Bienvenido Mr. Marshall, de Los jueves, milagro.

El último mayo, cuando se inauguró la sala que hoy lleva su nombre, José Luis Borau comentaba: "España y los españoles, a nuestro pesar quizás y con gran entusiasmo disimulado, queremos siempre ser berlanguianos".

En alguna entrevista que el crítico de cine Ricardo Bedoya tuvo con Mario Vargas Llosa, el escritor contaba cómo el cine de Berlanga había sido importante para él:

"Admiro algunas películas de Berlanga, como Los jueves, milagro, o El verdugo, que son imposibles de convertir en literatura, porque ese tremendismo y ese humor negro no serían soportados por la literatura.

"En una novela como Los cuadernos de don Rigoberto, desarrollas aspectos fetichistas, metonímicos, obsesivos, de observación, detallando fragmentos y pequeños ritos que tienen que ver mucho con el modo en que el cine observa la realidad y tal vez con la obra de algún director como Luis García Berlanga.

"Sí, he conversado mucho con Berlanga, que tiene una idea que a mi me sorprendió la primera vez que la oí. Él dice que el cine desgraciadamente no puede ser erótico y que la literatura puede ser más erótica que el cine porque la imagen es una sola y al ser una sola mata esa posibilidad virtual, múltiple, que tiene la palabra. Una imagen erótica en una novela, en un texto escrito no es una imagen, es potencialmente miles de imágenes eróticas según la sensibilidad o el estado de ánimo del lector; en cambio, en el cine, sólo puede ser una imagen porque la imagen en ese sentido es unívoca."

No voy a citar las incontables frases lúcidas del cineasta. Sus películas hablan por sí solas.

Adiós, Mr. Berlanga. Pronto todos estaremos a su lado.

Especial de El País.

Noviembre se vive en el INSTITUT FRANÇAISE DE MADRID

2010-11-12T07:10:00.000-08:00

Sí. Me disculparán los entusiastas del FESTIVAL 4+1 MAPFRE y otras muestras de cine, pero hay dos ciclos imprescindibles en Madrid que merecen toda la atención, ambos en el Instituto Francés de Madrid (c/Marqués de la Ensenada, 10).

El primero es el ciclo dedicado al cineasta Louis Malle. Ya se han proyectado cuatro funciones y quedan cuatro más por disfrutar. Milou en mai (1989) abrió este ciclo y fue una verdadera delicia y una muy grata sorpresa para los que apenas conocían de oídas el cine de Malle. Tras lo visto, las siguientes películas a exhibir prometen mucho:

* Lacombe Lucien (1974): Lunes 15, 140 min.

* Zazie dans le métro (1960): Martes 16, 90 min.

* Le souffle au coeur (1971): Lunes 22, 118 min.

* Au revoir les enfants (1987): Martes 23, 101 min.

Todas las proyecciones son a las 20horas. La entrada es libre hasta completar el aforo y las películas están subtituladas (¡yeah!) al español.

Adiós a los niños, de Louis Malle.

Además, el mismo Instituto ha declarado -desde hace varios años- al mes de Noviembre como "Mes del Cine Documental". Se ha exhibido ya uno de los cuatro documentales, cada uno más atractivo que el anterior. Pero voy a dedicar solamente unas líneas a una de esas obras, documental llamado "La vida loca", de Christian Poveda.

Según leo, se trata de un documental duro, sin concesiones, intenso acerca de la vida cotidiana de los maras, las conocidas pandillas de El Salvador. Lo extraño del caso es que el director del documental falleció mientras terminaba esta investigación y, al parecer, son las mismas autoridades quienes estarían detrás de esa muerte. Al menos eso aseguran algunos conocidos de Poveda, como se lee aquí. En todo caso, después de la proyección del documental, la productora de la película Carole Solive y el crítico de cine Javier Tolentino tendrán un encuentro con el público y se conocerán mayores informaciones sobre este extraño suceso.

Entonces, los documentales que todavía podemos ver son:

*La vida loca, de Christian Poveda (2009): Miércoles 17, 90min. Proyección seguida de charla.

*Juliette Binoche dans les yeux, de Marion Stalens (2009): Miércoles 24, 52 min.

* Elle s´appelle Sabine, de Sandrine Bonnaire (2007): Martes 30, 85 min.

Lo de Binoche es imperdible: ella habla de Godard, Kieslowski, Carax, Kiarostami... todo grabado por su hermana.

Y Bonnaire (la directora del tercer documental) también graba a su hermana, una mujer autista. Nos despedimos con el tráiler, recordando que las funciones son también a las 20horas y con entrada libre:

FIBABC 2010: Los Finalistas iCortos (críticas)

2010-11-04T10:13:00.000-07:00

Casi perfecta, de Gustavo Trimaglio

Ayer han aparecido los finalistas del Festival FIBABC´10, certamen de cortometrajes organizado por ABC.es. Vamos a empezar a hacer breves reseñas sobre estos finalistas y aventurarnos a hacer un pronóstico sobre los próximos ganadores.

Empezamos con el Certamen de iCortos, es decir, los cortometrajes cuya duración máxima es de 5 minutos. Los finalistas son:

- Reloj de arena, de David Turpin García.

- Los gritones, de Roberto Pérez Toledo.

- El típico corto en el que no pasa nada, de Juan Irache Duesca.

- Capicúa, de Roger Villaroya.

- Luciérnaga, de Carlota Coronado.

- Casi perfecta, de Gustavo Trimaglio.

Reloj de arena es una metáfora muy atractiva para hablar de la angustia de una mujer de unos 50 años, madre de familia maltratada tanto por su hija como por su propia madre. Opresión desde todos los frentes generacionales. No importa las vueltas que dé el tiempo: esa mujer siempre estará en medio, convertida en un asfixiado enlace entre vejez e infancia.

El problema con Reloj de arena son sus ganas por el melodrama más grueso para concretar el tema. La música alta, el personaje que pasa de quejidos a la "sonrisa inocente" y luego quejidos otra vez, los violines que van creciendo, el primer plano del ojo morado… todos los elementos puestos y subrayados para que sintamos el dolor de esta mujer, para que abramos los ojos ante el drama, pero no un abrir los ojos como "revelación", sino más bien a la fuerza, como el método Ludovico.

No me gusta que me digan lo que debo sentir o qué debo reflexionar. Y este corto lo hace desde el segundo uno. Uno termina asfixiado con su arena.

Los gritones me da pie para hablar de una carga que siempre van a llevar los cortometrajes que son muy breves -aunque también pasa con los más extensos-: su brevedad hace que terminen cayendo en gags inmediatos, en bromas rápidas, en chistes fáciles. Amigos cercanos incluso me lo repiten "en poco tiempo no puedes contar nada, tienes que hacer un chiste y ya, a reír".

Este no es el caso de Los gritones, aunque está bastante cerca. Lo que lo distingue de esa gran masa de cortos-chistes es que el director se toma el cuidado en darle el aire de drama a la gracia con sus silencios, sus eficaces planos y su buen montaje. Bien realizado a pesar de la historia naif.

El típico corto en el que no pasa nada es, seguramente, el cortometraje con el concepto más arriesgado de los finalistas del Certamen iCortos. La obra apuesta por mostrarnos ciertas imágenes y luego volver a ellos pero para revisarlos con mayor atención, intensificando un sentido (el tan menospreciado oído), encontrando así la historia subyacente que a primera vista no vemos.

Lástima que esta arriesgada idea tenga una manera algo amateur de ejecución. Creo que si hubiera tenido mayor cuidado en algunos de sus planos estaríamos hablando de un corto muy superior a los demás. Sin embargo, el saldo es positivo.

Luciérnaga y Casi perfecta son ejemplos de cómo dos cineastas de distinta mirada se zambullen en la crítica social, con resultados dispares.

En el primer corto, una señorita repite 1,866 veces la palabra "luciérnaga", preocupadísima por una dicción castiza. Todo lo que continuará será la escena de una regular miniserie con aires sociales. El corto no tropieza, pero tampoco brilla. Su ingreso en los finalistas se debe más a su "actualidad" y al tema de los inmigrantes -otra vez- que a una ejecución cinematográfica atractiva.

El segundo corto, Casi perfecta, también entra en la crítica social, específicamente en el manido tema del tirano culto a la belleza en nuestra sociedad.

Sin embargo, a diferencia de otras obras, aquí se percibe el gusto de usar a placer las herramientas que el cine ofrece para mostrarnos algo: encuadres, sonidos, ambientes, iluminación diáfana, rostros inertes, sonidos extraños, carnes heridas, todo juega en favor de la historia. A veces quizás hasta se excede (la pantalla partida quizás está un poco demás) pero esto no termina por ensuciar un trabajo bastante completo y preciso.

Contra este derroche técnico aparece la sencillez de Capicúa, cortometraje impecable en su planteamiento, de inteligente fotografía, buena narración y agradable golpe final.

No soy alguien que se derrite por los "giros de guión" pero este corto nos ofrece uno que sorprende por la alegre simplicidad. La técnica está volcada a los personajes, a los seres que vemos en este corto. Esto es quizá lo que la diferencia de Casi perfecta, para bien.

Entonces, si tuviera que elegir un ganador, estaría sin duda entre estos dos cortometrajes: Casi perfecta y Capicúa. Cualquiera de los dos tiene méritos suficientes para obtener un premio.

Como punto final debo decir que es triste que la organización haya dejado fuera de la competencia a cortos de mayor valía que algunos finalistas. Especialmente en el caso de dos de ellos: Turno de noche y The story of David Leonard Sutton.

Creo que los festivales de cine españoles aún se dejan llevar los temas, los clichés y los géneros y no tanto por el oficio cinematográfico al momento de premiar.

Capicúa, de Roger Villaroya

PABLO STOLL VUELVE: HIROSHIMA (2009), en La Casa Encendida

2010-11-04T03:31:00.000-07:00

Los que nos divertimos con las naderías de Leche, Javi y hasta Gerardito en 25 Watts (2001), los que disfrutamos el melancólico encanto de Whisky (2004), a los que nos dolió la repentina partida de Juan Pablo Rebella, los que empezamos a ver cómo Uruguay empezó a ofrecer al mundo películas de altísimo nivel y sensibilidad, todos los que hemos sentido esto vamos a estar felices de ver la nueva película de Pablo Stoll, Hiroshima (2009).

Las funciones son el 6 y 7 de noviembre, a las 20h, en La Casa Encendida. La entrada es la misma de cada función en LCE: 2 euros. Un avance, pero ya:

Utilidades

Más información de la película, aquí.

FINALISTAS FIBABC 2010 - Festival de Cortos de ABC.es

2010-11-02T08:12:00.000-07:00

Algunos apuntes pendientes son los que escribiré en las siguientes horas acerca del Festival de Cortometrajes FIBABC10, Festival presentado por el diario ABC y que se encuentra en su segunda edición.

Dividido en dos grandes certámenes (Cortos e iCortos: el segundo corresponde a cortos cuya duración es máximo de cinco minutos) se encuentra casi en su etapa final, próxima a anunciar los cortos finalistas en cada una de sus categorías.

Como todo festival online donde cualquiera puede ver cualquier corto y emitir cualquier comentario, los comments de directores o seguidores de directores abundan, pocas veces para resaltar las bondades de un corto, la mayoría de veces para lo contrario. En el FIBABC10 ha ocurrido más de un alboroto virtual con acusaciones, críticas, ataques anónimos y puyas repetitivas. O sea, lo peor del internet.

En medio de todo esto, es bueno que se pueda volver a hacer un buen repaso de los mejores cortometrajes que están en competencia. Es lo que haremos en las próximas horas: hablar de nuestros favoritos en este Festival.

Mientras tanto, asústense -y deléitense- con el Mejor Cortometraje del FIBABC ´09: Lucía, de Cristóbal León, Niles Atallah y Joaquín Cociña.

BOYERO: La de Kiarostami me ha parecido "un coñazo".

2010-10-30T04:06:00.000-07:00

La última de Abbas Kiarostami se estrena en España: Copia Certificada.

De momento, me entero que a Carlos Boyero le ha ocurrido un cambio de sensación. Cuando vio la película en Cannes, "no le disgustó". Pero al verla recientemente, en su portátil, le pareció "un coñazo", se aburrió completamente y ya me lo imagino abriendo el msn mientras la Binoche se ajustaba los pendientes.

Iré a verla, naturalmente, aunque esta vez un poco confundido: Sabía que si a Boyero le disgustaba algo, definitivamente valía la pena verlo. Ahora... no sé. En su defensa está el importante hecho que ver una película en el cine a verla en un ordenador no funciona igual y eso cualquiera lo sabe.

(A propósito, ¿cómo la vio en su portátil? ¿Se la pasó la distribuidora o Carlitos amulea también?)

Entonces, pendiente para la próxima semanas, palabras sobre Unclee Boonmee Who Can Recall His Past Lives, Banksy: Exit through the gift shop, The social network y Copia Certificada.

Vaya lío en que me he metido.

WERCKMEISTER HARMONIES: "Todavía no he terminado..."

2010-10-24T06:23:00.001-07:00

INT. NOCHE. BAR.

VALUSKA

Tú serás el sol. El sol no se mueve. Esto es lo que hace.

Tú serás la Tierra. La Tierra empieza aquí y se va moviendo alrededor del Sol. Y ahora… vamos a ver una explicación para que gente simple como nosotros podamos comprender por completo el significado de la inmortalidad.

Únicamente pido que caminéis conmigo a través del infinito, donde constancia, quietud y paz forman un reinado de infinito vacío. Imaginad esto en ese infinito sonoro silencio, todo es una oscuridad impenetrable. Aquí sólo experimentaremos el movimiento general y al principio no notamos los acontecimientos que estamos atestiguando. La luz brillante del Sol siempre tira su calor y su luz sobre un lado de la Tierra, la cual es empujada a girar hacia allí. Y estamos aquí en su esplendor.

Esta es la Luna. La Luna gira alrededor de la tierra. ¿Qué sucede? De repente vemos que el disco de la luna hace una mella sobre la esfera ardiente del Sol y por esta mella la sombra oscura se hace más grande y más grande. Y como ésta cubre al sol cada vez más, lentamente, sólo una estrecha luz del Sol permanece, una deslumbrante mengua. Y en el momento siguiente, en el momento siguiente, digamos a la una de la tarde, el más dramático giro de los acontecimientos ocurre. En este momento, el aire se torna frío.

¿Podéis sentirlo? El cielo se oscurece y después todo se torna oscuro. Los perros aúllan. Los conejos se encorvan, el venado corre en pánico. Corren, precipitándose en miedo. Y en este espantoso, incomprensible crepúsculo, incluso los pájaros también están confusos y van a posarse. Y después… completo silencio. Todo lo que vive está quieto. ¿Las colinas se irán apagando? ¿El cielo caerá sobre nosotros? ¿La tierra se abrirá bajo nuestros pies? No sabemos.

No sabemos. Un eclipse total se encuentra entre nosotros.

Pero… Pero no necesitamos temer, este no es el final, ya que a través de la esfera encendida del Sol, lentamente, la Luna nada, alejándose. Y el Sol estalla de nuevo hacia fuera. Y a la Tierra nuevamente llega luz otra vez. Y el calor nuevamente inunda la Tierra. Una emoción profunda se apodera de cada uno. Hemos escapado del peso de la oscuridad.

HAGELMAYER

¡Se acabó! ¡Fuera de aquí! ¡Has bebido demasiada cerveza!

VALUSKA

Pero Sr. Hagelmayer, todavía no he terminado…

SE INICIA EL XIII FESTIVAL "LA BOCA DEL LOBO"

2010-10-21T07:39:00.000-07:00

La Boca del Lobo es un valioso espacio de cultura en Madrid. Es, también, un espacio de alegría.

Y desde hace trece años es, además, un Festival de Cortometrajes que sacude el ambiente cinéfilo madrileño.

He asistido a algunas de sus funciones en las ediciones anteriores y solamente puedo decir que vale la pena asistir, sea a la Competencia Oficial o alguna de sus Muestras Internacionales. Pero hay también otra sección que cautiva a muchos de los asistentes.

Desde el 2009 ofrece una sección divertida, atractiva, valiente: hacer un cortometraje durante los días del Festival. La sección se llama "Búscate la vida" y la dinámica es sencilla: te dan un lema, un par de pautas (objetos o detalles que deben aparecer en el corto) y listo, debes entregarlo antes que finalice el evento. Una semana para hacerlo.

Anoche fue la Inauguración y pudimos hablar con el Director y Fundador del Festival, Javier Muñiz, quien describe el espíritu del festival y también los detalles de esa curiosa sección.

Entérate de las bases y lema, aquí:

UNCLE BOONME, teaser.

2010-10-20T14:38:00.000-07:00

No, no voy a poner el teaser o trailer o imágenes de la película de Apichatpong.

Acaban de proyectar la película en el Reina Sofía. A diferencia de las otras proyecciones, esta vez no fueron 15 personas, sino hubo sala llena y gente quedó fuera.

Qué película. Prometo escribir pronto sobre ella.

Mi teaser:

¿Qué le pasa a mis ojos? Están abiertos.
Y, sin embargo, no veo.

CONTENT y THE MAN WITH NO NAME

2010-10-18T13:34:00.000-07:00

Como antesala al estreno de "Uncle Boonmee..." programado para el proximo 20 de octubre, el Museo Reina Sofía ha proyectado otras tres peliculas, ya mencionadas en un post anterior.

Solamente he podido ver dos y he terminado con sentimientos decaídos.

Content, de Chris Petit, es un road movie interior situado en medio del universo virtual. Una voz en off reflexiona sobre nuestras idas y vueltas mentales conectadas -quizás ya para siempre- con internet. Nuestras emociones más hondas, nuestras interrogantes inmediatas y las permanentes, todo se contesta en youtube, en google, en la web.

Petit hizo un documental llamado Radio On (1979) que luego devino en Radio On (Remix) (1998). Esta se presenta como una continuación, o más bien un colofón.

Content tiene buenos momentos (el segmento de la muerte de Kennedy, por ejemplo, entre varios), pero a nivel global me suena un poco a algo ya visto. Quizás sea que en los últimos años he visto muchos documentales con suaves voces en off que cuestionan la vida moderna. La historia personal y la relación padre-hijo funciona como estructura vaga -asumo que adrede- y la fuerza que por momentos parece cobrar, decae continuamente.

Pueden investigar más sobre este director en la entrevista que le hacen en el Festival de Rotterdam.

The man with no name, de Wang Bing, ha sido la proyección que ha terminado hace apenas una hora. Se trata del registro de un hombre que vive en un campo desierto en China, lejos de todos, (auto)expulsado de su sociedad, sobreviviente que duerme en una cueva y come de aquello que cultiva. Para más señas, este vídeo:

Hay dos maneras de apreciar esta obra: Si la ves como la típica película que observa una existencia, en silencio, con tomas largas, como si Lisandro Alonso se hubiera mudado al desierto chino y hubiera decidido usar el digital, si la ves así entonces vas perdido. Es, así, una película que ocasionará los mismos efectos: posible aburrimiento, posible hastío, sensación de agotamiento. Es, lo confieso, la manera en que mis ojos observaban esta película en su primera parte, al punto de preguntarse ¿para qué necesitamos observar toda la cena de este señor? ¿Para "sentir" su vida? ¿Para recrear lo que él siente? Eso es imposible porque para siquiera intentar, para siquiera osar a sentir lo mismo que él, deberíamos vivir toda su vida. No basta con "contemplar" 15 minutos de su cena.

Pero luego empecé a ver la película con otros ojos. De pronto, ese hombre era para mí el último hombre sobre la Tierra. O, lo que es lo mismo, el primer hombre de la Tierra. Adán. El último ángel. Cualquiera sea su nombre místico.

Y así esa película cobró otra dimensión. El título así haría ya no referencia al outsider de los westerns, sino a El Outsider existencial. Y eso ya tiene más gracia. Y los escalofríos son inevitables.

Espero que la proyección de la película de Apichatpong Weeresethakul me deje con más satisfacción que estas dos películas previas. Espero también encontrar alguien que quiera hablar en cámara sobre su cine. De momento, es difícil, aún en Madrid.

HABLA APICHATPONG

2010-10-16T06:42:00.000-07:00

Como adelanto al estreno de "Uncle Boonmee who can recall his past lives" copio algunas declaraciones de Apichatpong Weeresethakul acerca de este film, entrevistado por Stéphane Delorme y Jean-Philippe Tessé.

La película se divide en seis bobinas de veinte minutos y me esforcé en darle un estilo diferente a cada una por la manera de filmar o por la interpretación de los actores, pero en continuidad eso no es tan perceptible.

En el guión, la historia se contaba en un orden diferente, y nosotros le aportamos elementos más abstractos para crear la impresión de una memoria aleatoria. Las películas tienen una vida propia, ellas te dictan el estilo, te dicen cómo hacerlo.

El otro cambio importante (con el guión) es la desaparición del voice over, que en principio debía estar presente durante toda la película... Grabamos esas voces en posproducción pero resultaban molestas, impedían que los espectadores se sirvieran de su imaginación así que las suprimimos.

Rodamos bajo la influencia de ciertas películas indias. Yo quería expresar la idea del origen de la vida, y rodamos también escenas en un microscopio, para mostrar seres unicelulares, protozoos, algo extraordinariamente bello: ves las células dividirse, animarse. Pero esto era muy científico y difícil de integrar. Me hubiera gustado utilizarlo, pero era imposible.

Esta película es más sencilla que las otras anteriores. Quería evocar las sensaciones del cine de los años setenta y ochenta. Intentamos muchas cosas, músicas que evocan las películas de John Carpenter, pero también los sonidos naturales o manipulados de la jungla, y músicas electrónicas creadas por ordenador.

En cuanto a la canción final... es una canción muy popular de hace algunos años. Habla del retorno a tu propia casa, cuando se ha estado fuera mucho tiempo y es necesario descansar. Pero, a decir verdad, el sentido de las palabras no tiene mucha importancia para mí, es sólo un ritmo.

Toda la película es como un sueño, como algo que viene únicamente del cine.