Esta semana ha sido de días libres, pero la próxima semana regreso con algunas sorpresas que he armado en unos ratos libres: críticas, charlas en vídeo sobre películas y otros detalles más (¡hasta concursos, oh God!).
Estrenaron Uncle Boonmee... ¿Ya la viste? ¿Qué te pareció?
"LOS LÍMITES DEL CINE", IMPRESCINDIBLE CICLO EN MADRID
Entrevista a Pedro Costa
Ok, yo pensaba que tenía mi agenda preparada hasta fin de año, hasta que me entero de Los límites del cine y todo se trastoca.
Los Límites del Cine (17 de Nov - 17 de Dic) es un obligado ciclo de cine que tiene dos objetivos fundamentales:
1. Promover las obras de artistas emergentes cuya divulgación sea complicada;
y, mucho más interesante,
2. Crear debates acerca de la naturaleza misma de cada obra, cuestionar la producción concreta del artista, más allá del formato o la categoría en la que se suelen encasillar las obras (documental, videoarte, cine latinoamericano, etc.) "con el fin de abordar las obras desde líneas conceptuales radicalmente diferentes, abiertas y verdaderamente productivas, por encima del soporte y modo de producción que las ampara. A fin de cuentas, romper fronteras, debilitarlas para así crear un verdadero diálogo e intercambio de ideas." (Párrafos tomados de su programación.)
¿Por qué me parece importante esta manera de hacer un ciclo? Porque promueve un diálogo interdisciplinario que el cine necesita urgentemente. Usualmente los Festivales de cine invitan a un cineasta a hablar de su película, ese cineasta repite lo que suele decir en otros lados, responde las eternas preguntas del público y se terminó. El cine se regodea con el cine y pocos miran más allá de sus referentes cinematográficos.
En Los Límites del Cine se intentará enfrentar al cine con otras áreas, y por ellos no solamente tiene invitados de lujo como Pedro Costa o Pere Portabella, sino también artistas plásticos, filólogos, especialistas en Historia del Arte, sociólogos, videoartistas, etc. Es el tipo de encuentro cinéfilo que considero más importante por hacer.
Este ciclo tiene de comisarios a Rubén García López y Salomé Ramírez y, además de Costa y Portabella, tiene entre sus otros invitados están Jacques Rancière, Rubén Hernández, Santos Zunzunegui, Manuel Asín, Asier Aranzubía, El colectivo Los Hijos, María Ruido, Patricia Mayayo, Sergio Ojeda, Germán Cano, Alberto Chinchón, Yayo Azna, María Antonia de Castro, Eva Koch, José María Parreño, Marta Bernardes entre otros.
Cortos, películas de los cineastas ya mencionados, conversaciones explorando el cine desde otros ángulos, este es uno de esos ciclos que valen por diez. Nos vemos por ahí.
SE INICIA LA 20 SEMANA DEL CINE EXPERIMENTAL DE MADRID
Intro de Las, de Piotr Dumala
Hoy, Jueves 18 de Noviembre (qué rápido ha pasado el año) empieza la Semana del Cine Experimental de Madrid, un evento necesario e imperdible dentro de la variada oferta cinéfila que hay en la ciudad. Obviamente las Secciones en Competencia son la de mayor interés y no necesitarán mayor apunte, por lo que mencionaré otras proyecciones que sí merecen más atención:
* La retrospectiva que se le hará al eslovaco Dušan Hanák, director de películas prohibidas, olvidadas, resucitadas y, finalmente, aplaudidas como Pictures of the Old World(Obrazy starého sveta, 1972) o I Love, You Love (Ja milujem, ty milujes, 1980). Sus obras se han visto tanto en las Bienales de arte como en una ceremonia del Oscar de la Academia. De mucho interés. Para más detalle, ver la programación.
* El largometraje Lucía, del chileno Niles Atallah, obra que viene apoyada por el Hubert Bals Fund (Festival de Rotterdam), por The Global Film Initiative (Estados Unidos), por Cine en Construcción (Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián y por los amigos de Rencontres Cinémas d’Amérique Latine de Toulouse. Coincidentemente, unos post más abajo puse un cortometraje donde Atallah participaba en su creación, corto del mismo título y que me parece de una factura formidable. La película se proyectará con la presencia de su director en el Cine Golem, el Viernes 19 de Noviembre a las 20h.
* El largometraje Las (El bosque, 2009), de Piotr Dumala, cinta polaca en blanco y negro en cuya reseña se lee lo siguiente: "El modo de contar sobre el padre y su hijo es naturalista y el modo de rodaje se acerca hacia un documental. La fotografía blanco y negra y la minimalización de los diálogos provoca que el imagen y los efectos sincrónicos llegan a ser la lengua principal del cuento. También es una alusión a los maestros de la época del cine mudo, tales como Dreyer y Murnau." A Dumala lo conocía por unos cortos de animación que están en internet, por lo que esta película me eleva la curiosidad. Proyección en el Golem, Miércoles 24 a las 20h.
Además, hay una retrospectiva a Takashi Shimizu (si quieres hacerte una maratón de The Grudge, este es el momento), un ciclo de Cine Maldito Español y muchas obras (obviamente) de corte experimental. La programación por fechas las puedes ver aquí. Hemos recibido la invitación para la Inauguración de hoy así que nos pasaremos con la camarita a ver qué hay.
Seguramente deberíamos ir siempre al cine de la forma que proponía André Breton en Nadja.
Habría que entrar sin premeditación en el ámbito oscuro, con la película empezada, sin conocer de antemano el programa, arrastrados por el azar.
Habría que sentarse en la butaca, abandonarse a los sentidos sin prepararlos para la narración consensuada, sin dirigirlos por opiniones ni sinopsis, como quien entra y sale de un lago báltico en invierno.
Habría que dejarse llevar por las sensaciones, pues el cine es ante todo sensaciones.
Deberíamos sumergirnos en el proceso de identificación sin culpa, como pura catarsis, y llorar si así lo requiriera la autopurificación. Llorar tanto que no quedaran las lágrimas, sin pudor, sin vergüenza de mostrar públicamente lo privado: en el cine, como en el amor, uno siempre está a tientas y solo, aunque esté rodeado de gente.
Sería necesario subvertir la aparente esencia del cine donde hay principios y finales; ir al cine en busca de algo que no fuera la historia que se cuenta. Saber que en el cine, como en la vida, uno siempre acaba por identificarse consigo mismo, nunca con el personaje ni con la trama.
Y habría que salir de repente también, sin esperar a que acabara la película.
Deberíamos dejar nuestro asiento cuando la intensidad de las sensaciones doliera casi aún. Habría que levantarse y enfrentar la luz de la calle antes de que los títulos nos devolvieran a la realidad, decepcionados al comprobar que, incluso en el cine, toda historia tiene su final.
Sería preciso marcharse de allí, salir huyendo entre tinieblas antes del desenlace para mantener en el recuerdo, quién sabe si para siempre, esa suave sensación de las cosas que, si no llegaron a pasar en realidad, deberían haber sucedido.
Por eso detesto ir con otros al cine. Por eso aborrezco el ritual de las colas, los comentarios en la espera y las hojas de sinopsis con extractos de críticas; y la luz de la sala, siempre áspera, que impone el presente cuando se acaba el cine; y los comentarios intelectuales de los acompañantes; y las películas entretenidas, esas que hacen pasar un buen rato.
Por eso considero que escribir sobre cine es un esfuerzo inútil, porque lo importante, las sensaciones, las rememoraciones que despierta, se quedarán siempre desfallecidas en la penumbra...
Tal vez por eso me fastidia que muchos, al salir de la sala, se sientan en la obligación de decir algo inteligente sobre la película recomendada por algún conocido entendido en la materia.
Prefiero ir al cine como aquellos que intuyen lo inútil que resulta hablar de cine más allá de los puros tecnicismos o las asépticas sociología o psicología fílmicas, como los que no esperan que les cuenten una historia pues el cine, al fin, no cuenta nunca historias, aunque aparente contarlas. El buen cine al menos, no cuenta historias como pensaríamos que una historia debe ser contada.
Y así, un día cualquiera, tropezamos en la calle -por casualidad- con alguien que va deprisa porque llega tarde y, por pura inercia de la conversación, le acompañamos en su carrera y acabamos sentados en una sala oscura a la que decidimos entrar en el último momento, porque hace frío fuera o hace frío dentro. No sabemos qué vamos a ver.
Nos sentamos entre tinieblas con la película empezada y se deslizan ante nosotros imágenes perturbadoras por su belleza, en un principio incomprensibles, aunque capaces de alertar sensaciones con un peculiar sentido del tiempo y de la narración tan antifílmico en el fondo -antifílmico respecto a lo que nos han dicho que debe ser el cine.
Y, probablemente, nos inquietamos un poco en la butaca y no acabamos de entender, durante un buen rato, de qué trata la historia -tan acostumbrados nos tiene el cine a contarnos historias. Podemos llegar a lamentar no haber entrado un poco antes para seguir la narración desde el principio y de este modo comprenderla.
Luego, poco a poco, la historia se va haciendo transparente...
Entonces, frente a esas imágenes de alguien cuyo nombre aún desconocemos, pensamos: no estamos solos.
Estrella de Diego.
Extracto de "Volver a la nostalgia. Por qué atrapa el cine de Tarkovski".
Escena de El Verdugo, quizás la mejor película de Berlanga
El 2008 fue Rafael Azcona. Hoy ha fallecido su compañero, la otra mitad de ese celebrado dúo, el cineasta Luis García Berlanga, el mismo de El Verdugo, de Bienvenido Mr. Marshall, de Los jueves, milagro.
El último mayo, cuando se inauguró la sala que hoy lleva su nombre, José Luis Borau comentaba: "España y los españoles, a nuestro pesar quizás y con gran entusiasmo disimulado, queremos siempre ser berlanguianos".
En alguna entrevista que el crítico de cine Ricardo Bedoya tuvo con Mario Vargas Llosa, el escritor contaba cómo el cine de Berlanga había sido importante para él:
"Admiro algunas películas de Berlanga, como Los jueves, milagro, o El verdugo, que son imposibles de convertir en literatura, porque ese tremendismo y ese humor negro no serían soportados por la literatura.
"En una novela como Los cuadernos de don Rigoberto, desarrollas aspectos fetichistas, metonímicos, obsesivos, de observación, detallando fragmentos y pequeños ritos que tienen que ver mucho con el modo en que el cine observa la realidad y tal vez con la obra de algún director como Luis García Berlanga.
"Sí, he conversado mucho con Berlanga, que tiene una idea que a mi me sorprendió la primera vez que la oí. Él dice que el cine desgraciadamente no puede ser erótico y que la literatura puede ser más erótica que el cine porque la imagen es una sola y al ser una sola mata esa posibilidad virtual, múltiple, que tiene la palabra. Una imagen erótica en una novela, en un texto escrito no es una imagen, es potencialmente miles de imágenes eróticas según la sensibilidad o el estado de ánimo del lector; en cambio, en el cine, sólo puede ser una imagen porque la imagen en ese sentido es unívoca."
No voy a citar las incontables frases lúcidas del cineasta. Sus películas hablan por sí solas.
Adiós, Mr. Berlanga. Pronto todos estaremos a su lado.
Noviembre se vive en el INSTITUT FRANÇAISE DE MADRID
Sí. Me disculparán los entusiastas del FESTIVAL 4+1 MAPFRE y otras muestras de cine, pero hay dos ciclos imprescindibles en Madrid que merecen toda la atención, ambos en el Instituto Francés de Madrid (c/Marqués de la Ensenada, 10).
El primero es el ciclo dedicado al cineasta Louis Malle. Ya se han proyectado cuatro funciones y quedan cuatro más por disfrutar. Milou en mai (1989) abrió este ciclo y fue una verdadera delicia y una muy grata sorpresa para los que apenas conocían de oídas el cine de Malle. Tras lo visto, las siguientes películas a exhibir prometen mucho:
* Lacombe Lucien (1974): Lunes 15, 140 min.
* Zazie dans le métro (1960): Martes 16, 90 min.
* Le souffle au coeur (1971): Lunes 22, 118 min.
* Au revoir les enfants (1987): Martes 23, 101 min.
Todas las proyecciones son a las 20horas. La entrada es libre hasta completar el aforo y las películas están subtituladas (¡yeah!) al español.
Adiós a los niños, de Louis Malle.
Además, el mismo Instituto ha declarado -desde hace varios años- al mes de Noviembre como "Mes del Cine Documental". Se ha exhibido ya uno de los cuatro documentales, cada uno más atractivo que el anterior. Pero voy a dedicar solamente unas líneas a una de esas obras, documental llamado "La vida loca", de Christian Poveda.
Según leo, se trata de un documental duro, sin concesiones, intenso acerca de la vida cotidiana de los maras, las conocidas pandillas de El Salvador. Lo extraño del caso es que el director del documental falleció mientras terminaba esta investigación y, al parecer, son las mismas autoridades quienes estarían detrás de esa muerte. Al menos eso aseguran algunos conocidos de Poveda, como se lee aquí. En todo caso, después de la proyección del documental, la productora de la película Carole Solive y el crítico de cine Javier Tolentino tendrán un encuentro con el público y se conocerán mayores informaciones sobre este extraño suceso.
Entonces, los documentales que todavía podemos ver son:
*La vida loca, de Christian Poveda (2009): Miércoles 17, 90min. Proyección seguida de charla.
*Juliette Binoche dans les yeux, de Marion Stalens (2009): Miércoles 24, 52 min.
* Elle s´appelle Sabine, de Sandrine Bonnaire (2007): Martes 30, 85 min.
Lo de Binoche es imperdible: ella habla de Godard, Kieslowski, Carax, Kiarostami... todo grabado por su hermana.
Y Bonnaire (la directora del tercer documental) también graba a su hermana, una mujer autista. Nos despedimos con el tráiler, recordando que las funciones son también a las 20horas y con entrada libre:
Ayer han aparecido los finalistas del Festival FIBABC´10, certamen de cortometrajes organizado por ABC.es. Vamos a empezar a hacer breves reseñas sobre estos finalistas y aventurarnos a hacer un pronóstico sobre los próximos ganadores.
Empezamos con el Certamen de iCortos, es decir, los cortometrajes cuya duración máxima es de 5 minutos. Los finalistas son:
- Reloj de arena, de David Turpin García.
- Los gritones, de Roberto Pérez Toledo.
- El típico corto en el que no pasa nada, de Juan Irache Duesca.
- Capicúa, de Roger Villaroya.
- Luciérnaga, de Carlota Coronado.
- Casi perfecta, de Gustavo Trimaglio.
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Reloj de arena es una metáfora muy atractiva para hablar de la angustia de una mujer de unos 50 años, madre de familia maltratada tanto por su hija como por su propia madre. Opresión desde todos los frentes generacionales. No importa las vueltas que dé el tiempo: esa mujer siempre estará en medio, convertida en un asfixiado enlace entre vejez e infancia.
El problema con Reloj de arena son sus ganas por el melodrama más grueso para concretar el tema. La música alta, el personaje que pasa de quejidos a la "sonrisa inocente" y luego quejidos otra vez, los violines que van creciendo, el primer plano del ojo morado… todos los elementos puestos y subrayados para que sintamos el dolor de esta mujer, para que abramos los ojos ante el drama, pero no un abrir los ojos como "revelación", sino más bien a la fuerza, como el método Ludovico.
No me gusta que me digan lo que debo sentir o qué debo reflexionar. Y este corto lo hace desde el segundo uno. Uno termina asfixiado con su arena.
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Los gritones me da pie para hablar de una carga que siempre van a llevar los cortometrajes que son muy breves -aunque también pasa con los más extensos-: su brevedad hace que terminen cayendo en gags inmediatos, en bromas rápidas, en chistes fáciles. Amigos cercanos incluso me lo repiten "en poco tiempo no puedes contar nada, tienes que hacer un chiste y ya, a reír".
Este no es el caso de Los gritones, aunque está bastante cerca. Lo que lo distingue de esa gran masa de cortos-chistes es que el director se toma el cuidado en darle el aire de drama a la gracia con sus silencios, sus eficaces planos y su buen montaje. Bien realizado a pesar de la historia naif.
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El típico corto en el que no pasa nada es, seguramente, el cortometraje con el concepto más arriesgado de los finalistas del Certamen iCortos. La obra apuesta por mostrarnos ciertas imágenes y luego volver a ellos pero para revisarlos con mayor atención, intensificando un sentido (el tan menospreciado oído), encontrando así la historia subyacente que a primera vista no vemos.
Lástima que esta arriesgada idea tenga una manera algo amateur de ejecución. Creo que si hubiera tenido mayor cuidado en algunos de sus planos estaríamos hablando de un corto muy superior a los demás. Sin embargo, el saldo es positivo.
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Luciérnaga y Casi perfecta son ejemplos de cómo dos cineastas de distinta mirada se zambullen en la crítica social, con resultados dispares.
En el primer corto, una señorita repite 1,866 veces la palabra "luciérnaga", preocupadísima por una dicción castiza. Todo lo que continuará será la escena de una regular miniserie con aires sociales. El corto no tropieza, pero tampoco brilla. Su ingreso en los finalistas se debe más a su "actualidad" y al tema de los inmigrantes -otra vez- que a una ejecución cinematográfica atractiva.
El segundo corto, Casi perfecta, también entra en la crítica social, específicamente en el manido tema del tirano culto a la belleza en nuestra sociedad.
Sin embargo, a diferencia de otras obras, aquí se percibe el gusto de usar a placer las herramientas que el cine ofrece para mostrarnos algo: encuadres, sonidos, ambientes, iluminación diáfana, rostros inertes, sonidos extraños, carnes heridas, todo juega en favor de la historia. A veces quizás hasta se excede (la pantalla partida quizás está un poco demás) pero esto no termina por ensuciar un trabajo bastante completo y preciso.
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Contra este derroche técnico aparece la sencillez de Capicúa, cortometraje impecable en su planteamiento, de inteligente fotografía, buena narración y agradable golpe final.
No soy alguien que se derrite por los "giros de guión" pero este corto nos ofrece uno que sorprende por la alegre simplicidad. La técnica está volcada a los personajes, a los seres que vemos en este corto. Esto es quizá lo que la diferencia de Casi perfecta, para bien.
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Entonces, si tuviera que elegir un ganador, estaría sin duda entre estos dos cortometrajes: Casi perfecta y Capicúa. Cualquiera de los dos tiene méritos suficientes para obtener un premio.
Como punto final debo decir que es triste que la organización haya dejado fuera de la competencia a cortos de mayor valía que algunos finalistas. Especialmente en el caso de dos de ellos: Turno de noche y The story of David Leonard Sutton.
Creo que los festivales de cine españoles aún se dejan llevar los temas, los clichés y los géneros y no tanto por el oficio cinematográfico al momento de premiar.
PABLO STOLL VUELVE: HIROSHIMA (2009), en La Casa Encendida
Los que nos divertimos con las naderías de Leche, Javi y hasta Gerardito en 25 Watts(2001), los que disfrutamos el melancólico encanto de Whisky (2004), a los que nos dolió la repentina partida de Juan Pablo Rebella, los que empezamos a ver cómo Uruguay empezó a ofrecer al mundo películas de altísimo nivel y sensibilidad, todos los que hemos sentido esto vamos a estar felices de ver la nueva película de Pablo Stoll, Hiroshima (2009).
Las funciones son el 6 y 7 de noviembre, a las 20h, en La Casa Encendida. La entrada es la misma de cada función en LCE: 2 euros. Un avance, pero ya:
FINALISTAS FIBABC 2010 - Festival de Cortos de ABC.es
Algunos apuntes pendientes son los que escribiré en las siguientes horas acerca del Festival de Cortometrajes FIBABC10, Festival presentado por el diario ABC y que se encuentra en su segunda edición.
Dividido en dos grandes certámenes (Cortos e iCortos: el segundo corresponde a cortos cuya duración es máximo de cinco minutos) se encuentra casi en su etapa final, próxima a anunciar los cortos finalistas en cada una de sus categorías.
Como todo festival online donde cualquiera puede ver cualquier corto y emitir cualquier comentario, los comments de directores o seguidores de directores abundan, pocas veces para resaltar las bondades de un corto, la mayoría de veces para lo contrario. En el FIBABC10 ha ocurrido más de un alboroto virtual con acusaciones, críticas, ataques anónimos y puyas repetitivas. O sea, lo peor del internet.
En medio de todo esto, es bueno que se pueda volver a hacer un buen repaso de los mejores cortometrajes que están en competencia. Es lo que haremos en las próximas horas: hablar de nuestros favoritos en este Festival.
Mientras tanto, asústense -y deléitense- con el Mejor Cortometraje del FIBABC ´09: Lucía, de Cristóbal León, Niles Atallah y Joaquín Cociña.
